_{The nude does not simply represent the body, but relates it, by analogy, to all structures that have become part of our imaginative experience}

_{[El desnudo no representa simplemente el cuerpo, sino que lo relaciona, por analogía, a todas las estructuras que se han convertido en parte de nuestra experiencia imaginativa]}

_{Kenneth Clark (1956)}

Templo-Pladur genera un paralelismo entre la idea de inmortalidad presente en los desnudos de los dioses griegos con la de los espacios expositivos en el sentido en que se diseñan lugares donde las piezas parecen ser presentadas para la eternidad.

Constante y ancestral ha sido la relación entre la arquitectura y el cuerpo humano.

En la antigua Atenas parecía reinar una armonía entre la carne y la piedra, no solamente la disposición de los templos y las ciudades obedecía a la manera en que los griegos concebían el cuerpo humano, sino que habían convertido el desnudo en objeto de admiración.

Las figuras humanas del friso del Partenón muestran la desnudez de cuerpos jóvenes perfectos de una manera ultraterrenal, aludiendo así a una realidad inmortal. Esta experiencia visual que dignifica y heroiza se asemeja al descrito por Brian O ´Doherty en su ensayo Inside the White Cube: The ideology of the gallery space en el que interpreta el espacio de las galerías modernas como un lugar construido con el objetivo de generar al espectador la sensación de estar fuera del tiempo, o más allá de él. Como si la obra perteneciese ya a la posteridad, o estuviese en un limbo.

El título del proyecto hace referencia al edificio sagrado, pero también menciona el material de construcción utilizado actualmente para el revestimiento de techos y paredes con la intención no solamente de generar un desajuste temporal, sino también de poner en contacto la idea de desnudar o vestir arquitectónicamente las paredes de la galería. El espacio expositivo desnudo es tan perfecto como el cuerpo de los dioses griegos, las obras dispuestas parecen tan eternas como la carne dura de las esculturas que visten y arropan la arquitectura del lugar.

Templo-Pladur pone en contacto la arquitectura de las galerías de arte y los desnudos de los dioses griegos, tan irreales e imposibles que parecen vestidos de carne pétrea, a través del acto de vestir el espacio con obras de arte.

Templo-Pladur es la cuarta edición de Interludios, un conjunto de exposiciones de corta duración en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, cuya propuesta es generar un espacio de visibilidad para proyectos pensados por los artistas, representados o no por la galería, y que hasta entonces no se han podido realizar.

Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987) es licenciada en Bellas Artes por la UCLM, Cuenca; Máster Photoespaña Teoría de la Fotografía y Proyectos Artísticos por la UEM, Madrid y Máster en Investigación en Arte y Creación por la UCM, Madrid. Ha participado en numerosas exposiciones tanto nacionales como internacionales entre las que destacan Fundación Juan March: Museo de Arte Abstracto, Cuenca; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Fundación Marso, Ciudad de México, México; Museu Nacional Soares Dos Reis, Oporto; Fundación Otazu, Pamplona; La Laboral, Gijón; EACC, Castellón y Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Su obra forma de colecciones como DKV, CA2M y Fundación Otazu entre otras.

NF/ NIEVES FERNÁNDEZ presenta la exposición “Chicxulub, estudios en un paisaje”, de Fritzia Irízar. La artista investiga el cráter de Chicxulub en Yucatán, para establecer un vínculo entre el impacto de un meteorito hace 66 millones de año con la pandemia del SARS Cov 2.

Analizando la historia y la desaparición de las especies más débiles, Fritzia Irízar reflexiona acerca del uso del poder y las circunstancias específicas en las que este dictamina sobre el entorno natural colectivo en base al beneficio económico generando situaciones en las que la ética y el respeto por la vida en comunidad pierden todo su valor.

Fritzia Irizar ha expuesto en diversas instituciones internacionales como MUAC, Museo Ex Te­resa Arte Actual, Sala Siqueiros y Museo Rufino Tamayo en Ciudad de México, Orange County Museum of Art en Santa Ana, CA2M (Centro de Arte 2 de Mayo) en Madrid, Headlands Center for the Arts en San Francisco, CIFO Fundación Fontanals Cisneros en Miami, Giorgio Cini Foundation en Venecia, Seattle Art Museum en Sea­ttle, Fundación Banco Santander en Madrid, Beirut Museum of Art (BeMA) en Beirut y la Rashid Karami International Fair en Trípoli. También ha participado en diferentes bienales: la 9ª y la 10ª Bienales de Mercosur en Porto Alegre, la 12ª Bienal FEMSA en Monterrey y la 14ª Bienal de Cuenca.

Su trabajo se encuentra en colecciones como JUMEX, México; Colección Isabel y Agustín Coppel, México; Servais Collection, Bégica; Colección Olor Visual, España; Braddock Collection, EEUU; Proyecto Bachué, Colombia; CIFO Collection, EEUU; Fon­dazione Benetton, Italia; y CA2M, España.

Hace 66 millones de años en la península de Yucatán en México, un meteorito impactó la tierra. Este fenómeno derivó en la extinción de las especies que reinaban la tierra y determinó el inicio de un nuevo orden en la vida del planeta. Pocas veces, más allá de la ficción, la vida ha sufrido un atentado global como el que todos vivimos este año, un atentado puntual y directo a nuestra especie, selectivo y casi con el diseño de un macabro experimento que ya nos cambió a todos.

No hay duda de que para entender nuestro presente y poder imaginar nuestro futuro, es indispensable el estudio de nuestro pasado, aun el más lejano del que sólo hay registro entre rocas o bajo el mar como es el caso del cráter de Chicxulub.

Buscando pistas en el pasado más catastrófico de nuestro planeta, llegué hasta el centro del cráter de Chicxulub en Yucatán, deseando permitirme pensar en un futuro posible, armada con instrumentos de observación simples, buscando pistas, pero al mismo tiempo transformando una lupa en una esfera de adivinación. El cráter a simple vista solo es paisaje, uno marino y otro selvático, pero en un contexto como el de la pandemia que vivimos, es oráculo. Hace 66 millones de años las especies más fuertes y más grandes perecieron, hoy el atentado es para los débiles, pero no los débiles por fuerza de la naturaleza, los débiles víctimas de los sistemas, víctimas del envenenamiento masivo por dinero o productividad alimentaria, victimas de sus circunstancias de las que es casi imposible escapar.

El paisaje como entidad viva sufre del control ejercido por los grupos en una posición autoritaria, algo como lo que Foucault nombra como el poder pastoral, haciendo referencia al pastor, al guía de las ovejas, quien tiene el control de hacia dónde y por dónde se va, el filósofo francés hace una comparación de ese poder ejercido por la iglesia y sentencia la vida contemporánea con la idea de que ese mismo control autoritario se ha prolongado en el estado moderno.

Este proyecto cuestiona principalmente ese uso del poder de tipo pastoral ejercido por el estado y los grupos privilegiados sobre el resto de los pobladores, pero especialmente  retrata circunstancias específicas en las que este poder dictamina y decide sobre el entorno natural colectivo, haciendo uso de herramientas de control como el económico para obtener beneficios propios inmediatos, situaciones particulares en dónde la ética y el respeto por la vida en comunidad y el futuro de la misma pierde todo su valor, dejando el total de decisiones al criterio económico o político, los verdaderos pastores de nuestros tiempos.

Una exposición de retorno a lo esencial, construida de dibujos, instalación y fotografías acerca del paisaje, su anhelo en el confinamiento, su transformación, su explotación y su duelo.

Fritzia Irízar, 2021

LA NOCHE MÁS CORTA es una exposición colectiva organizada por la Galería Aural y NF/ NIEVES FERNÁNDEZ que surge como propuesta colaborativa, abriendo un diálogo entre artistas de ambas galerías en torno a la idea de transformación en los procesos creativos, artísticos y vitales. Como un esfuerzo por dinamizar nuevas formas de producción y exposición del arte, la muestra se realiza de manera transversal y concomitante entre las tres sedes de las galerías en Madrid y Alicante con obras expuestas de manera orgánica entre ellas, tomando criterios conceptuales y estéticos por encima de la representación de las galerías como un ejercicio real de sinergia institucional.

Con una selección de obras de Alexej Meschtschanow, Fernando Sinaga, Jordi Teixidor, José Luis Landet, José Maldonado, Judith Egger, Máximo González, Pipo Hernández Rivero, Tamara Arroyo y Urs Lüthi, LA NOCHE MÁS CORTA profundiza sobre la transformación como un proceso de resignificación que promueve la regeneración, transmutación cambio y renovación, considerando los duros tiempos que corren y tratando de referenciar a las tradiciones de San Juan, cuando se quema lo viejo y obsoleto para dar paso a lo nuevo, renovado y transformado.

En este sentido, las piezas responden a la propuesta por haber pasado por alguna transformación o por representarla conceptualmente de manera tanto voluntaria como involuntaria, es decir, obras que se hayan empezado y dejado por un tiempo, hasta reconfigurarse para concluirse; obras que sean la apropiación de otros objetos, transformados en algo distinto; u obras que representan el desplazamiento de la naturaleza de algo o el cambio en su idea, sentido o significado inicial.

El discurso de Alcaraz parte de la tradición clásica de la pintura y la escultura para llegar a una reflexión acerca del volumen, el lenguaje y el tiempo a través del uso de materiales, como el agua, el vidrio, los espejos, los reflejos, o los libros que incluyen esta idea.

En su lenguaje artístico predomina la transgresión visual, el juego de diversas miradas y la conjugación de transparencias y agujeros que permiten entrever espacios ocultos, mágicos. Así Jordi Alcaraz va estableciendo, a través de sus obras, una relación inédita, sorprendente y metafórica con el mundo.

Esculturas, pinturas y dibujos, siempre a través de su peculiar tratamiento de los materiales, y sus juegos poéticos de palabras y títulos inesperados. Juegos de bolsas de pigmentos que se hunden en superficies de cristal, mostrando poéticamente el inicio de la pintura, esculturas de madera, que atraviesan la urna de metacrilato en la que se encuentran, pasando de la oscuridad de la noche, a la luz del día, colores que huyen de sus botes a través de agujeros imaginarios, retratos imposibles.

Debido a su obsesión por el oficio del arte, en sus últimas obras profundiza en la exploración, casi obsesiva, del trabajo del artista: dibujar, esculpir, pintar..., centrándose en mayor medida en el ejercicio del hacer, y no en la obra como fin de dicha acción. Como resultado, aparecen obras en las que la ausencia es más importante que la evidencia La ausencia de casi todo, el protagonismo de la desaparición de la obra, la permanencia de la acción. Lo que importa es la sensación de dibujar, lo que hay en el preciso momento antes de hacerlo, la impresión al terminar, pero no la obra en sí, no el dibujo resultante. No hay imagen ni referencia a idea alguna, el artista dibuja pero no queda dibujo. Podemos ver el espacio que ha quedado, el rastro del material utilizado, pero la ausencia de cualquier otra cosa es casi absoluta.

Jordi Alcaraz rompe el material de diversas maneras, todo resulta menos evocador, y más punzante. Capas de materiales se superponen como escudos de protección, y van construyendo diversas y más complejas capas de significados.

Sus obras se encuentran en colecciones como Biedermann Museum, Donaueschingen (Alemania), Colección Fontanal Cisneros, Miami, Williams Collection, Massachusetts, Olor visual.