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Imagen | Image: Moris, ‘Todo hombre’, 2021. Metal, madera, cuero, collage, transfer y hormigón sobre tela [Metal, wood, leather, collage, transfer and cement on canvas]. 150 x 200 cm.
Jordi Teixidor presenta la exposición individual ‘Final de partida’, comisariada por Joan Ramon Escrivà, en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) en Valencia
Jordi Teixidor presents the solo exhibition ‘Endgame’, curated by Joan Ramon Escrivà, at the Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) in Valencia.
03 FEB – 01 SEP 2019
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(Imagen / Image: Jordi Teixidor, ‘Fin de partie. La Rivière’, 2002-2020)
‘La exposición Final de partida, dedicada a Jordi Teixidor (València 1941), está concebida como una exploración de la gramática pictórica desarrollada por este artista en el terreno de la abstracción, durante más de seis décadas. La muestra incorpora obras realizadas desde sus inicios como pintor, vinculado a los grupos de vanguardia Nueva Generación y Antes del Arte, así como una cuidada selección de pinturas de las series más significativas de su larga trayectoria, en diálogo con las obras pertenecientes a la colección del IVAM.
En este sentido, la exposición presta una especial atención a la producción más reciente e inédita de Teixidor, y rastrea, a través de la inclusión de obras de Barnett Newman, Ad Reinhardt o Juan van der Hamen, algunas de las fuentes que han inspirado sus investigaciones en el campo de la pintura abstracta.
Final de partida se completa con una serie de materiales procesuales escasamente conocidos, procedentes del archivo del artista: cuadernos de notas y dibujos, polaroids, o esquemas y organigramas que dan fe de los complejos procedimientos ideados por Teixidor para llevar a cabo su pintura y sus diversas exposiciones a lo largo del tiempo. La obra de Teixidor indaga de manera obsesiva en la fisicidad misma de la pintura, en la investigación del espacio y en la tensión vibrante entre la geometría y el gesto.’
‘The core idea behind Endgame is to survey the painterly grammar of Jordi Teixidor (Valencia 1941) in the field of abstraction over the course of the last six decades. The show includes early works from his beginnings as a painter within the orbit of the avant-garde art groups Nueva Generación and Antes del Arte, as well as a select number of paintings from the most notable series in his longstanding career set in dialogue with works from the IVAM collection.
In this regard, the exhibition pays special attention to Teixidor’s more recent and previously unseen output while also tracing some of the sources of inspiration behind his experimentation in the field of abstract painting through the inclusion of works by Barnett Newman, Ad Reinhardt or Juan van der Hamen.
Endgame is rounded off with a series of little-known working material from the artist’s personal archive: notepads and sketch books, polaroids, plans and charts evincing the complex methods employed by Teixidor to carry out his paintings and the numerous exhibitions of his work over the years. Teixidor obsessively explores the very physicity of painting itself, the limits of space and the vibrant tension between geometry and gesturality.’
Es un inmenso placer para nosotros anunciar la incorporación de Clara Sánchez Sala al grupo de artistas representados por NF/ NIEVES FERNÁNDEZ.
El trabajo de Clara se compone por indicios que apuntan al efecto heurístico de la distancia. La artista coloca así al espectador en la situación del arqueólogo, viendo las piezas como acertijos que no puede identificar directamente. Clara Sánchez Sala usa regularmente este proceso de distanciamiento para cuestionar lo que se ve y lo que se conoce, y así subrayar la idea de impermanencia e incompletitud.
Para conocer más sobre su producción y proyectos anteriores, pincha aquí.
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It is with immense joy we announce the inclusion of Clara Sánchez Sala to the group of artists represented by NF/ NIEVES FERNÁNDEZ.
The works by Clara are composed by indications that point to the heuristic effect of distance. The artist thus places the viewer in the archaeologist’s situation, seeing the pieces as riddles that she cannot directly identify. Clara Sánchez Sala regularly uses this distancing process to question what is seen and what is known, and thus underline the idea of impermanence and incompleteness.
To learn more about her production and previous projects, click here.
Fritzia Irízar participa en la exposición ‘Raíz y Rizoma. México en la Colección Otazu’, comisariada por Sofía Mariscal, en Casa de México en Madrid.
En palabras de la comisaria, ‘esta muestra esboza una reflexión desde los procesos del arte contemporáneo — abrevando también de la geografía humana — sobre la construcción social, política y cultural de la memoria, y analiza el nexo que mantiene con el espacio / territorio — en este caso México.’
Desde el 20 de enero hasta el 27 de marzo de 2022.
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Fritzia Irízar participates in the exhibition ‘Raíz y Rizoma. México en la Colección Otazu’, curated by Sofía Mariscal, at Casa de México in Madrid.
In the words of the curator, ‘this exhibition outlines a reflection from the processes of contemporary art — also drawing on human geography — on the social, political and cultural construction of memory, and analyzes the link it maintains with space / territory — in this case Mexico.’
From January 20 until March 27, 2022.
Image: Fritiza Irízar, ‘Sin título [Proyecto Cuatro Espejos Escudo]’, 2020. Inkjet print on paper.
La galería permanecerá cerrada entre los días 30/12 y 09/01.
Os esperamos el día 10/01 con la exposición EDUARDO CHILLIDA. HOMENAJE A PILI Y A EDUARDO | NF/ 45 AÑOS.
The gallery will be closed between Dec. 30 and Jan. 09.
We will be back on Jan. 10 with the exhibition by EDUARDO CHILLIDA. A TRIBUTE TO PILI AND EDUARDO | NF/ 45 anniversary.
PARA RESERVAR UNA PLAZA, PINCHA AQUÍ.
(Sin título) cuerpo sobre espacio es un site-specific de danza contemporánea creado e interpretado por Isabela Rossi. En este solo, la bailarina utiliza maneras no tan convencionales para estudiar, conocer y habitar el espacio presente con una única herramienta: su propio cuerpo.
Un cuerpo que crea nuevos espacios, que construye espacios. Un cuerpo transformando el espacio, un espacio que transforma un cuerpo. ¿Que me llevo y que dejo en un espacio? ¿El tiempo es el mismo en cada lugar; en cada experiencia; en el olvido; en la contemplacion? ¿El tiempo se puede medir?…
Isabela Rossi, coreógrafa y performer brasileña afincada en Madrid. Graduada en danza contemporánea en el RCPD Mariemma en 2016, ha trabajado con coreógrafas como, Aiala Etchegaray, David Vilarinyo, Lucía Marote, Poliana Lima, Candelaria Antelo y Natalia Fernandes, recibiendo el premio AISGE de bailarina sobresaliente en la pieza LINGUA. Como coreógrafa sigue trabajando en el solo (Sin título) cuerpo sobre espacio y (Sin título) cuerpo agrimensor, propuesta que fue seleccionada para participar en el proyecto “Solos en Pradillo” (2019), 33º Certamen Coreográfico de Madrid, Surge Madrid 2020 y en 2021 dentro de las actividades transversas iberoamericanas. Cocreadora al lado de Miguel Glez. fue PROCESO DE ACOMODACIÓN, finalista y premiada en el 34 Certamen Coreográfico de Madrid. Actualmente, sigue trabajando al lado de Miguel Glez. como coreógrafos invitados en la Compañía Residente del Centro Coreográfico de La Gomera, en la pieza Lo que percibes.
‘(Sin título) cuerpo sobre espacio’ es la sexta acción de CAMPING, una iniciativa que abre el espacio de la galería NF/ NIEVES FERNANDEZ a diversos actores culturales, con el fin de que puedan desarrollar y exhibir sus proyectos y creaciones libremente. Tomando como soporte de sus acciones el espacio expositivo, los diversos actores desplegarán sus proyectos temporales interactuando con la exposición instalada en ese momento en la galería.
CAMPING es un proyecto de Nerea e Idoia Fernández directoras de NF/NIEVES FERNANDEZ y de Blanca Cortés, abogada especializada en propiedad intelectual.
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(Sin título) cuerpo sobre espacio is a contemporary dance site-specific created and performed by Isabela Rossi. In this solo, the dancer uses not so conventional ways to study, know and inhabit the present space with a single tool: her own body.
A body that creates new spaces, that builds spaces. A body transforming space, a space that transforms a body. What do I take with me and what do I leave in a space? Is the time the same in each place; in each experience; in oblivion; in contemplation? Can time be measured?…
Isabela Rossi is a Brazilian choreographer and performer based in Madrid. Graduated in contemporary dance from RCPD Mariemma in 2016, she has worked as a dancer with different choreographers such as, Aiala Etchegaray, David Vilarinyo, Lucía Marote, Poliana Lima, Candelaria Antelo and Natalia Fernandes, receiving the AISGE award for outstanding dancer in the ‘LINGUA’ piece. As a choreographer, she continues to work on the solo ‘(Sin título) cuerpo sobre espacio’ and ‘(Sin título) cuerpo agrimensor’, a proposal that was selected to participate in the project ‘Solos en Pradillo’ (2019), the 33rd Choreographic Contest of Madrid, Madrid Surge 2020 and in 2021 within the Ibero-American cross-cutting activities. Co-creator alongside Miguel Glez. for ‘PROCESO DE ACOMODACIÓN’, finalist and awarded at the 34 Certamen Coreográfico de Madrid. Currently, she continues to work alongside Miguel Glez. as guest choreographers in the Resident Company of the Centro Coreográfico de La Gomera, in the piece ‘Lo que percibes’.
‘(Sin título) cuerpo sobre espacio’ is CAMPING‘s sixth action, an initiative that will open NF/ NIEVES FERNANDEZ’ gallery space to various cultural actors, so that they can freely develop and exhibit their projects and creations. Taking the exhibition space as a support for their actions, the various actors will display their temporary projects interacting with the exhibition installed at that time in the gallery.
CAMPING is a project conceived by Nerea and Idoia Fernández, directors of NF/ NIEVES FERNANDEZ and Blanca Cortés, lawyer specialized in intellectual property.
El booth A40 de NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, Arróniz y Nueveochenta ha sido elegido uno de los 10 mejores en la feria UNTITLED Miami de 2021 por la plataforma Artsy, con especial mención a Daniela Libertad.
Para leer la noticia completa, pinche aquí. Para conocer los detalles de las obras que presentamos, pinche aquí.
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The booth A40 by NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, Arróniz and Nueveochenta has been chosen one of the 10 best stands at UNTITLED Miami art fair in 2021 by Artsy, with special mention to Daniela Libertad.
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Imagen: Daniela Libertad, ‘Entre el encima y el debajo’, 2021. Vista de instalación, NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, Madrid.
Image: Daniela Libertad, ‘Entre el encima y el debajo’, 2021. Installation view, NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, Madrid.
INAUGURACIÓN 20/OCT
The nude does not simply represent the body, but relates it, by analogy, to all structures
that have become part of our imaginative experience
[El desnudo no representa simplemente el cuerpo, sino que lo relaciona, por analogía, a todas
las estructuras que se han convertido en parte de nuestra experiencia imaginativa]
Kenneth Clark (1956)
Templo-Pladur genera un paralelismo entre la idea de inmortalidad presente en los desnudos de los dioses griegos con la de los espacios expositivos en el sentido en que se diseñan lugares donde las piezas parecen ser presentadas para la eternidad.
Constante y ancestral ha sido la relación entre la arquitectura y el cuerpo humano.
En la antigua Atenas parecía reinar una armonía entre la carne y la piedra, no solamente la disposición de los templos y las ciudades obedecía a la manera en que los griegos concebían el cuerpo humano, sino que habían convertido el desnudo en objeto de admiración.
Las figuras humanas del friso del Partenón muestran la desnudez de cuerpos jóvenes perfectos de una manera ultraterrenal, aludiendo así a una realidad inmortal. Esta experiencia visual que dignifica y heroiza se asemeja al descrito por Brian O ´Doherty en su ensayo Inside the White Cube: The ideology of the gallery space en el que interpreta el espacio de las galerías modernas como un lugar construido con el objetivo de generar al espectador la sensación de estar fuera del tiempo, o más allá de él. Como si la obra perteneciese ya a la posteridad, o estuviese en un limbo.
El título del proyecto hace referencia al edificio sagrado, pero también menciona el material de construcción utilizado actualmente para el revestimiento de techos y paredes con la intención no solamente de generar un desajuste temporal, sino también de poner en contacto la idea de desnudar o vestir arquitectónicamente las paredes de la galería. El espacio expositivo desnudo es tan perfecto como el cuerpo de los dioses griegos, las obras dispuestas parecen tan eternas como la carne dura de las esculturas que visten y arropan la arquitectura del lugar.
Templo-Pladur pone en contacto la arquitectura de las galerías de arte y los desnudos de los dioses griegos, tan irreales e imposibles que parecen vestidos de carne pétrea, a través del acto de vestir el espacio con obras de arte.
Templo-Pladur es la cuarta edición de Interludios, un conjunto de exposiciones de corta duración en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, cuya propuesta es generar un espacio de visibilidad para proyectos pensados por los artistas, representados o no por la galería, y que hasta entonces no se han podido realizar.
Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987) es licenciada en Bellas Artes por la UCLM, Cuenca; Máster Photoespaña Teoría de la Fotografía y Proyectos Artísticos por la UEM, Madrid y Máster en Investigación en Arte y Creación por la UCM, Madrid. Ha participado en numerosas exposiciones tanto nacionales como internacionales entre las que destacan Fundación Juan March: Museo de Arte Abstracto, Cuenca; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Fundación Marso, Ciudad de México, México; Museu Nacional Soares Dos Reis, Oporto; Fundación Otazu, Pamplona; La Laboral, Gijón; EACC, Castellón y Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Su obra forma de colecciones como DKV, CA2M y Fundación Otazu entre otras.
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OPENING 20/OCT
The nude does not simply represent the body, but relates it, by analogy, to all structures
that have become part of our imaginative experience
Kenneth Clark (1956)
Templo-Pladur generates a parallel between the idea of immortality present in the nudes of the Greek gods with that of the exhibition spaces in the sense that places are designed where the pieces seem to be presented for eternity.
Constant and ancestral has been the relation between architecture and the human body.
In ancient Athens, a harmony between flesh and stone seemed to reign, not only the arrangement of temples and cities obeyed the way in which the Greeks conceived the human body, but they had turned nudity into an object of admiration.
The human figures in the Parthenon’s frieze show the nakedness of perfect young bodies in an unearthly way, thus alluding to an immortal reality. This visual experience that dignifies and heroizes is similar to that described by Brian O’Doherty in his essay Inside the White Cube: The ideology of the gallery space in which he interprets the space of modern galleries as a place built with the aim of generating the viewer the feeling of being outside of time, or beyond it. As if the work already belonged to posterity, or was in limbo.
The title of the project refers to the sacred building, but also mentions the construction material currently used for the cladding of ceilings and walls with the intention not only of generating a temporary mismatch, but also of putting in contact the idea of architectural undressing or dressing the gallery walls. The naked exhibition space is as perfect as the body of the Greek gods, the arranged works seem as eternal as the hard flesh of the sculptures that dress and cover the architecture of the place.
Templo-Pladur brings together the architecture of the art galleries and the nudes of the Greek gods, so unreal and impossible that they seem dressed in stony flesh, through the act of dressing the space with works of art.
Templo-Pladur is the fourth edition of Interludios, a set of short-term exhibitions at NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, whose proposal is to create a visibility space for projects thought by the artists, whether or not represented by the gallery, and which until then have not have been possible.
Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987) has a degree in Fine Arts from the UCLM, Cuenca; a Masters’ degree in Photoespaña Theory of Photography and Artistic Projects from the UEM, Madrid and a Masters in Research in Art and Creation from the UCM, Madrid. She has participated in numerous national and international exhibitions, among which at the Fundación Juan March: Museo de Arte Abstracto, Cuenca; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Fundación Marso, Mexico City, Mexico; Museu Nacional Soares Dos Reis, Porto; Fundación Otazu, Pamplona; La Laboral, Gijón; EACC, Castellón and Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Her works belongs to collections such as DKV, CA2M and Fundación Otazu, among others.
