Sara Carneiro
Luis M. S. Santos
Nuno Silas
Sofia Yala

Comisaria: Ângela Ferreira

 

A lo largo de los siglos, el cuerpo humano ha sido uno de los grandes temas de interés para los artistas. Si pensamos que nosotros, los seres humanos, habitamos nuestro cuerpo, este interés no nos sorprende. Sin embargo, con el paso del tiempo, la forma en que los artistas se aproximan al cuerpo humano ha ido cambiando de manera natural. En los últimos años se ha escrito mucho sobre el cuerpo, y el foco de atención se ha desplazado hacia la idea del cuerpo como vehículo de la memoria, como manifestación de los nuevos sentidos de sexualidad y género, así como también del cuerpo racializado.

Con un enfoque valiente e inusual, la obra videográfica de Sara Carneiro, Colonial Project (2020-23), aborda la gran metáfora del horror del colonialismo y la subsecuente amnesia histórica de sus procesos a través de una visualización mayormente abstracta. Utilizando constantemente la idea de la fluidez de materias y materiales como recordatorios evocadores de la explotación mineral que sustentó el proyecto colonial, las imágenes creadas por la artista aluden al dominio impositivo de la tierra mediante la palma que agarra y exprime, al cuerpo virginal de la leche y el azúcar, a los trazos de la mano que remiten a la memoria (o su pérdida), a la tierra quemada y a los ojos que se apagan con el fuego. La obra se caracteriza por su gran sutileza, pero también por una violencia inherente.

La obra de Nuno Silas se centra deliberadamente en la construcción de la identidad africana a través de la representación del cuerpo. El concepto de identidad está siempre presente en esta impactante serie de collages y montajes digitales. Las obras presentadas en esta exposición provienen de varios momentos de trabajo, con un enfoque especial en la serie The Intensity of Identity (2019-20). El registro constante de su propio retrato sirve como base para una historia del cuerpo transformado y cargado de significado. El artista utiliza métodos similares al automatismo psíquico para construir sus imágenes. Esta técnica, utilizada por los surrealistas, consiste en liberar el inconsciente y permitir que el trazo —o en este caso, las imágenes fotográficas— fluya libremente, sin bloqueos ni juicios. En estas imágenes y en ese cuerpo aparecen alusiones a sentimientos imaginados, migración, deseo, fuerzas espirituales, violencia e incluso magia. Se trata de un ensayo político de expresión personal.

En su práctica artística, Sofia Yala recurre constantemente al uso e interpretación de archivos fotográficos familiares para invitarnos a recontar historias y personajes entre Angola y Portugal. En la serie Type here to Search (2020), a través del lenguaje computacional y la idea de búsqueda en la barra de Microsoft, Yala introduce un factor contemporáneo al archivo, haciéndonos conscientes, como espectadores, de que es necesario investigar mentalmente. La artista nos cuenta que en estas imágenes también aparecen personas que, a pesar de estar incluidas en los álbumes familiares, permanecen desconocidas, subrayando así la importancia de los archivos fotográficos de familias negras. Por otro lado, en la serie The Body as an Archive (2020-21), Yala nos muestra la historia a través de la escritura de memorias de archivo sobre la superficie de la piel, como si la historia quedara grabada en el cuerpo. Como ejemplo, la artista nos habla de su abuelo, que trabajaba en la marina mercante, documentando la transición de la familia hasta la contemporaneidad. En su uso de materiales y tiempos diversos, la obra de Sofia Yala encarna la esencia de la hibridez.

La sorprendente aventura escultórica de Luís Santos se sitúa firmemente en el espacio que nosotros, como espectadores, pisamos. Estas assemblages, que se manifiestan en una escala casi humana, nos permiten una empatía especial, ya que se materializan como figuras. Las tres obras aquí presentadas —Fragments of Being #3 (2023), TV Contraption (2022), Void (2022)— se constituyen como figuras imaginativas y ambiguas que evocan los miedos electrónicos y tecnológicos a los que estamos expuestos, el desmembramiento del cuerpo vulnerable ante redes que aprisionan, espacios biológicos absorbentes que nos arrastran al vacío, o la imagen distante y digital de la naturaleza vista a través de una pantalla. En otro momento, la escultura de cerámica vidriada Anxious (2024) nos aproxima a una metáfora más personal de la encrucijada. Los tres pies cruzados nos detienen en nuestro camino… pero también hay paja suelta y campanas de barro que suenan al pasar, anunciando una conversación más pacífica con la naturaleza.

El título hace referencia a la exposición individual del artista mozambiqueño Luís Santos en el Centro Cultural Franco-Mozambiqueño (CCFM), en Maputo, Mozambique (2019), comisariada por Sara Carneiro.

Ângela Ferreira
Lisboa, 2 de abril de 2025

 

 

 

Sara Carneiro
Colonial Project Trilogy
2023
Vídeo, color, sonido estéreo
22’09»

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Luis M. S. Santos
Anxious
2024
Gres esmaltado
30 x 30 x 15 cm

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Nuno Silas
De la serie «The Intensity of Identity»
2019-2020
Impresión inkjet sobre papel Hahnemühle PhotoRag 188gr
90 x 70 cm

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Sofia Yala
De la serie »Type here to Search»
2020
Impresión inkjet sobre papel algodón
57 x 80 cm

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10.04 - 27.05