arco2026.es
Chiharu Shiota
Japón, 1972
Heredera de Ana Mendieta y de toda una generación de artistas feministas de principios de los 70, Chiharu Shiota trabaja con su cuerpo como espacio de intervención, realizando performances que tratan la vinculación a la tierra, el pasado y la memoria.
Conocida por sus instalaciones realizadas con la lana como material principal, sus entramados generan una mezcla entre repulsión y atracción onírica, al tiempo que reavivan la memoria, la existencia de una forma filosófica y su ausencia.
La presencia y ausencia del propio cuerpo de la artista es hilo conductor de su obra y se convierte en aquello por lo que hace entender su confrontación con la problemática de definir el trabajo artístico; el objeto artístico y el público, el interior y el exterior.
En su filosofía de trabajo la auténtica obra artística solo se crea cuando las expectativas de formas artísticas de expresión conocidas son abandonadas a favor de una percepción de las cosas que se abre camino sin atribuciones de significado.
Ha realizado exposiciones individuales en la Hayward Gallery, Londres; el Mori Art Museum, Tokio; el Grand Palais, París; la Maison Rouge; el Louisiana Art Museum y el LACMA, Los Angeles, entre otros.
Su obra se encuentra en las colecciones del Centre Pompidou, París; el National Museum of Art, Tokio; el Museum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki; la Colección Hoffmann, Berlín; y la Fundació Sorigué, Lleida, entre otras.
Chiharu Shiota
Strange Home
2026
Marco de metal, hilo
180 x 80 x 54 cm
Chiharu Shiota
Connected to the Universe
2026
Hilo sobre lienzo
44.5 x 35 cm
Chiharu Shiota – Portfolio 2026
Arnulf Rainer
Austria, 1929-2025
Su compromiso con la búsqueda de nuevos enfoques pictóricos, acompañado de su trabajo performativo y de una extensa documentación escrita, consagró a Arnulf Rainer como uno de los artistas más influyentes de su generación. Al exaltar siempre el lenguaje corporal implícito en la pintura, el artista subrayó las primeras formas de expresión humana y, en la década de 1970, comenzó a fotografiarse a sí mismo, creando un vínculo entre lo teatral y lo gráfico como medio de expresión.
Cercano al Accionismo Vienés y explorando el gesto a través de la performance, amplió su práctica al vídeo y empezó a pintar con las manos, un método que lo acompañó durante toda su trayectoria.
Principalmente interesado en el automatismo y en el deseo de subvertir la comunicación convencional para recuperar la riqueza de la expresión humana, Rainer basó su expresividad en la ocultación de imágenes de otros artistas, así como de sus propios autorretratos, alcanzando la abstracción y una casi total desaparición de la forma. En este sentido, su obra buscó constantemente liberarse de sus propios límites, llegando incluso a sobrepasar, mediante la propia configuración de los lienzos, los estándares convencionales.
En 1978 representó a Austria en la Bienal de Venecia y recibió el Gran Premio Estatal Austríaco. Desde 1981 fue miembro de las Academias de Bellas Artes de Berlín y Viena. Ese mismo año recibió el Premio Max Beckmann en Fráncfort. Participó en Documenta Kassel en 1972, 1977 y 1982.
Entre los museos que le dedicaron retrospectivas se encuentran el Albertina Museum, Viena; el Stedelijk Museum, Ámsterdam; el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; la Alte Nationalgalerie, Berlín; la Kunsthalle Berne y el Kunstverein Hamburg.
Su obra se encuentra en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; el Guggenheim, Nueva York; la TATE Gallery, Londres; el Centre Pompidou, París; el Ludwig Museum, Colonia; el Metropolitan Museum, Nueva York; el CGAC, Santiago de Compostela; el IVAM, Valencia y el Stedelijk Museum, Ámsterdam.
Arnulf Rainer
Rosa Blüten
1996
Temple sobre cartón sobre madera
103,5 x 73,5 cm
Exposición: 2024 – Arnulf Rainer. Rot, Blau, Gelb. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer
Untitled
1995
Temple sobre cartón sobre madera
105 x 76,5 cm
Exposición: 2024 – Arnulf Rainer. Rot, Blau, Gelb. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer
Blumenserie
ca. 2000
Técnica mixta sobre papel sobre madera
44 x 31,5 cm
Exposición: 2024 – Arnulf Rainer. Rot, Blau, Gelb. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer
P26. (‘Face Farces’ series)
1970-75
Lápiz sobre fotografía
24 x 18 cm
Exposición: 2020 – Arnulf Rainer. Visages. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer
P25. (‘Face Farces’ series)
1970-75
Lápiz sobre fotografía
24 x 18 cm
Exposición: 2020 – Arnulf Rainer. Visages. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer – Portfolio 2026
Clara Sánchez Sala
Spain, 1987
“Escribir es intentar saber qué escribiríamos si escribiéramos”
Marguerite Duras, Écrire, Gallimard, 1993
Como un eco de la práctica artística de Clara Sánchez Sala, esta cita de Marguerite Duras acompaña toda su producción hasta la fecha. Si para Duras la escritura es una intención, para Sánchez, el acto de crear es una tentativa que transcurre en el imposible encuentro del pasado y el presente.
La artista recuerda y mide constantemente sus viajes favoritos, el tiempo que transcurre entre los hechos autobiográficos y la historia. A partir de esta poética de la intimidad, no solo recrea su historia personal, sino que también juega con los desajustes temporales para despertar un sentimiento de extrañamiento ante su entorno personal.
Las obras de Clara son indicios que apuntan al efecto heurístico de la distancia. La artista coloca así al espectador en la situación del arqueólogo, viendo las piezas como acertijos que no puede identificar directamente. Sánchez Sala usa regularmente este proceso de distanciamiento para cuestionar lo que se ve y lo que se conoce, y así subrayar la idea de impermanencia e incompletitud.
Ha participado en exposiciones en Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Centro de Arte Dos de Mayo, Fundación MARSO, Fundación Otazu, La Laboral, EACC y Centro Cultural Conde Duque.
Su obra forma parte de colecciones como el Centro de Arte Dos de Mayo, Colección DKV, Kells Collection y Fundación Otazu, entre otras.
Clara Sánchez Sala
Tous les revêtements de la maison
2025
Fotografía sobre tarima de madera
100 x 200 x 4 cm
Exposición: 2025 – Clara Sánchez Sala. Del marfil al color hígado. NF/NIEVES FERNANDEZ.
Clara Sánchez Sala – Portfolio 2026
Gareth Nyandoro
Zimbabwe, 1982
Gareth Nyandoro es conocido por sus grandes obras en papel, que a menudo desbordan su formato bidimensional para convertirse en instalaciones que incluyen recortes de papel y objetos encontrados en los mercados de Harare, donde vive y trabaja. La principal fuente de inspiración del artista es el paisaje cotidiano de la ciudad y sus habitantes, tanto dentro del contexto local como del panorama cultural más amplio de Zimbabue. Inspirado por su formación en grabado y derivado del proceso de grabado, la técnica distintiva del artista, Kucheka cheka, recibe su nombre de las declinaciones en infinitivo y presente del verbo cheka en shona, que significa “cortar”.
Ha realizado exposiciones en instituciones como el Palais de Tokyo, París; el Quetzal Art Centre, Portugal; la Rijksakademie, Ámsterdam; y Zeitz MOCAA, Ciudad del Cabo, entre otras.
Su obra se encuentra en colecciones como el MoMA, Nueva York; el Zeitz MOCAA; la Fondation Sindika Dokolo, Luanda; el Instituto Inhotim, Brasil; la Rachofsky Collection, Dallas; SAM Art Projects, Francia; y la National Gallery of Zimbabwe.
Gareth Nyandoro
Bhero vendor
2024
Tinta sobre papel sobre madera
124 x 124 x 5 cm
Exposición: 2025 – Gareth Nyandoro. TOWNSHOP/TOWNSHIP. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Gareth Nyandoro
Baseball cap stall
2024
Tinta sobre papel sobre madera
124 x 247 x 5 cm
Exposición: 2025 – Gareth Nyandoro. TOWNSHOP/TOWNSHIP. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Gareth Nyandoro – Portfolio 2026
Pipo Hernández Rivero
España, 1966
Las obras de Pipo Hernandez Rivero plantean dudas acerca de todo tipo de certeza cultural. Construidas con imágenes e ideas ancladas en la cultura moderna, sus obras se mueven en el territorio de la sospecha y la opacidad.
Señalando la complejidad de las posibilidades de la pintura en el siglo XXI, su trabajo ofrece una reconsideración de lo pictórico desde estructuras formales y conceptuales bajo las que subyacen referencias al fracaso de a las vanguardias culturales al mismo tiempo que evidencian que a menudo la estandarización de determinados discursos genera exclusión de voces.
Mezclando la pintura con materiales de todo tipo, e involucrando textos en idiomas que escapan a nuestra lectura, desde un panorama occidental, sus piezas nos sitúan en ambientes asociados con problemáticas políticas, confrontando al espectador con un dialogo no resuelto y forzándole a repensar las nociones de identidad y valor.
Ha expuesto en el Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canarias; la Fundación MARSO, Ciudad de México; el Museo de Arte de Pereira; ARTIUM Museoa, Vitoria; el Círculo de Bellas Artes de Tenerife; la Fundación Otazu, Navarra; el Museum of Fine Arts Budapest; el Centre del Carme Cultura Contemporània, Valencia; el Prague Art Museum y la Sala de Arte Contemporáneo de Tenerife, entre otras. También ha participado en las bienales de La Habana, Dakar y Tenerife.
Sus obras forman parte de las colecciones de la Fundació Sorigué; el TEA Tenerife Espacio de las Artes, el Centro Atlántico de Arte Moderno; ARTIUM; la Fundación MARSO; la Colección Galila Barzilaï, Bruselas; la Kells Collection; la Colección Olor Visual y el MUDO, Istambul.
Pipo Hernández Rivero
Normas para una noche americana [Rules for an American Night]
2024
Óleo, plástico y lienzo
160 x 230 x 4 cm (lienzo)
456 x 315 x 4 cm (instalación)
Exposición: 2024 – Pipo Hernández Rivero. A Dos Pasos. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Pipo Hernández Rivero – Portfolio 2026
Tamara Arroyo
España, 1972
En el cuerpo de obra de la artista hay una insistencia sobre la habitabilidad de los espacios. Arroyo cuestiona la “domesticación” del habitante moderno y el consumo de ciertas formalizaciones y objetos en los interiores de las viviendas actuales. La referencia autobiográfica presente en su trabajo sirve para articular un discurso sobre la memoria individual y colectiva.
En la recurrencia a la imagen de los lugares de los que Arroyo se apropia, la ciudad y el espacio público aparecen como un escenario privilegiado de la cotidianidad, con sus señas de identidad y gran potencial creativo.
Mediante diferentes formalizaciones, sus obras hablan de cómo nos influyen el entorno y su arquitectura, distinguiendo entre el espacio vivido, vivencial o el existencial que opera inconscientemente.
La artista pone el acento sobre diferentes estados intelectuales que se producen al relacionarnos con nuestro entorno inmediato, tales como la necesidad emocional de pertenencia a un lugar, o la importancia de la visión periférica que nos integra en el espacio. Esta última nos permite apreciar detalles y situaciones que en ocasiones pasan desapercibidas, y nos hace pasar de ser meros espectadores a receptores de otros estímulos.
Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Centro de Arte 2 de Mayo, La Casa Encendida, Matadero, CentroCentro, Real Academia de Bellas Artes, todos en Madrid; Es Baluard Museu d’Art Modern i Contamporani, y Addaya Centre d´Art Contemporary en Mallorca; CAC y MAC Genalguacil en Málaga; Fundación Bilbao Arte en Bilbao; Real Academia de España en Roma; IVAM en Valencia; .
Su obra se puede encontrar en las colecciones de Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, la Colección DKV, Fundación Banco Sabadell, Colección Universidad de Nebrija, AECID/Real Academia de España en Roma, Colección ABC, Ayuntamiento de Palma de Mallorca, Ayuntamiento de Pamplona, Colección Unicaja, Museo de Pollença, Diputación de Orense, UNED, INJUVE – Ministerio de Fomento y Junta de Extremadura.
Tamara Arroyo
Sin título
2023
Cerámica gres
157 x 11 x 2 cm
Tamara Arroyo
Ochentas
2019
Esmalte sobre metal
65 x 65 x 12 cm
Exhibitions:
2020 – Tamara Arroyo. Pura calle. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
2021 – PANORAMA Madrid 01. CentroCentro, Madrid.
Tamara Arroyo – Portfolio 2026
Rafael Grassi
Suiza, 1969
En sus obras Rafael Grassi concilia un apego por la materia pictórica y un gusto por generar una ilusión de perspectiva, una figuración embustera. Las figuras sirven de punto de partida que se va descomponiendo, librándose de significados preconcebidos y generando una superficie pictórica llena de paradojas y diversidad cromática.
Analogías formales, paradojas, y contaminaciones lingüísticas constituyen algunas de las nociones evocadas en su pintura. Las imágenes fotográficas sirven de punto de partida, inaugurando un proceso de manipulación y metamorfosis sucesivas que permiten conservar la huella de una imagen en descomposición, en la que los elementos otrora narrativos, se emancipan sobre la tela, reconquistando una autonomía liberada de significación.
Ha realizado exposiciones individuales en instituciones como el Centre d’art de Domspìerre, el Fond d’art Contemporaine de Montluçon, Palazzo Mezzabarba. Pavia o el Centro Cultural Valérie Larbaud. Vichy
Sus obras pueden encontrarse en la Colección Helga de Alvear, Fundació Banc Sabadell, Fundació La Caixa, Olor Visual, Ministerio Italiano de Cultura, FRAC de Auvergne, Collection Passimessa Clermont Ferrand, Ministerio de Asuntos Exteriores, Collection Municipale d’art Contemporaine de Vitry sur Seine, Colección de Arte Contemporáneo del Cantón de Zúrich, Colección Peter Nobel y Colección PRISA.
Rafael Grassi
Forms of Life
2022
Óleo sobre lienzo
230 x 180 x 5 cm
Exposición: 2024 – Rafael Grassi. Inventario. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Rafael Grassi
Flirt
2021
Óleo sobre lienzo
100 x 80 x 4 cm
Rafael Grassi – Portfolio 2026
Jordi Teixidor
España, 1941
Considerado uno de los máximos representantes de la abstracción española, Jordi Teixidor se identifica con el pensamiento crítico y la tradición moderna para trasladar a su pintura el espíritu de la duda y de la crítica, profundizando en la abstracción y una pintura racional, apolínea, equilibrada y fuertemente contenida en los elementos expresivos.
La modernidad de Jordi Teixidor es reflexiva y su obra no busca la satisfacción, sino que incita al pensamiento y rechaza toda lectura narrativa.
Más que un tour de force acerca de las posibilidades de la abstracción en el momento actual del desarrollo evolutivo de las artes plásticas en la sociedad post industrial, su trabajo ha de ser entendido como una reflexión estética e intelectual sobre los límites de la pintura, como una búsqueda en pos de la no-pintura, como el anhelo irrealizable de hacer el cuadro definitivo, o, lo que es lo mismo, el no-cuadro, pero también como la expresión personal de un sentimiento de fracaso ético-político.
Con su uso del negro, Teixidor ha formalizado una grave secuencia de imágenes que constituye una de las más destacadas expresiones trágicas de la pintura española contemporánea.
En 2014 fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas. Ha participado en la Bienal de Venecia, y ha expuesto en instituciones como el Guggenheim Museum de Nueva York, Academia Española en Roma, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, UNAM Museo de Arte Contemporáneo de Ciudad de México o el IVAM, entre otras.
Su obra se puede encontrar en las colecciones del Guggenheim de Nueva York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Instituto Valenciano de Arte Moderno, Fundación Juan March, Colección Banco de España, Colección Stuveysan, Museo Patio Herreriano, Centro Atlántico de Arte Moderno, SFMoMA, Fundación La Caixa y el Museo de Berkeley.
Jordi Teixidor
Sin título 1470
2013
Óleo sobre lienzo
155 x 190 cm
Jordi Teixidor
Sin título 1390
2010
Óleo sobre lienzo
190 x 90 cm
Jordi Teixidor
Mots croisés
2025
Óleo sobre papel con impresión
70 x 70 cm
Jordi Teixidor
Mots croisés
2025
Óleo sobre papel con impresión
70 x 70 cm
Jordi Teixidor – Portfolio 2026
Moris
México, 1978
La obra de Moris gira en torno a temas que señalan la representación, la voluntad social y subjetiva, cuestiones urbanas y culturas marginales, habitualmente dadas por hecho en las sociedades convencionales.
Informado por un trabajo de campo constante, los temas que Moris investiga han formado parte de su vida desde su infancia y son pertinentes a ambas de sus formaciones, personal y profesional.
La calle y el espacio social son su laboratorio de investigación, recogida de datos y pistas, análisis de culturas visuales y estéticas vernáculas.
Observando, integrando y aprendiendo de diversos códigos sociales de las clases marginales de la Ciudad de México. Sus dialectos y semiótica, sus estrategias de supervivencia y el uso informal de la estética en su medio ambiente con el fin de hacer la vida rutinaria más humana y digna, son los valores conductores del trabajo de Moris.
Ha participado en las Bienales de São Paulo y de La Habana, y en exposiciones colectivas en la Fundación Jumex de México, Fontanal Cisneros en Miami, Artium, en Vitoria, el Musac de León. Asimismo ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, en el Museo Carrillo Gil y en la Sala Siqueiros de Ciudad de Mexico, o en la Stadtgalerie Saarbrücken, Alemania.
Su obra puede encontrarse en las colecciones del MoMA de Nueva York, el Pérez Art Museum de Miami, la Fundación Jumex, CIFO Fontanals Cisneros, SMAK, CA2M, Artium, MOCA de Los Ángeles, el Museo Amparo en Puebla, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, Colección Isabel y Agustín Coppel en Ciudad de Mexico, Colección David Chipperfield en Londres, entre otras.
Moris
Sangriento ladronzuelo
2021
Collage, cemento y transfer sobre tela
200 x 150 cm
Moris
Un escupitajo a la muerte II
2025
Collage, esmalte y transfer sobre tela
78 x 60 cm
