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Artists

Alexej Meschtschanow

Examina las cualidades físicas y estéticas de las establecidas convenciones sociales mediante la escultura y la instalación. Estudiando nuestro ámbito social más inmediato con un ojo analitico y compasivo, ensambla objetos encontrados, muebles abandonados y fotografías de archivo.


Su trabajo se centra en el potencial imaginativo y las profundidades psicologicas implicadas en la construcción de identidades, la compulsión hacia la autorealización y la urgencia social por la optimización. Sus esculturas conectan dos modos de comunicación, el activo y el pasivo. El efecto final de su pulsión creativa culmina en figuras de una melancolía poética, que tratan de romper el circulo vicioso del fordismo, el totalitarismo o las formas fetichistas del funcionalismo.

 

Exposiciones
Publicaciones
Demand on Release at Kunstraum Potsdam
Videos
Alexej im Studio
https://vimeo.com/434341087/e7f95d18ba
Entrevista a Alexej Meschtschanow
https://vimeo.com/546648985
Artists

Angela Cuadra

Ángela Cuadra investiga imágenes que versan sobre técnicas de ocultamiento usadas a lo largo de la historia reciente, en un amplio estudio fenomenológico de la invisibilidad. 

Al examinar las tensiones entre lo natural y lo artificial, lo público y lo privado, el todo y las partes, lo esencial y lo superfluo, la artista utiliza un material con cargas históricas y semánticas preexistentes para reconvertirlo y resignificarlo. Fundamentadas en el collage y abordadas desde la intuición, sus obras inducen composiciones en las que apenas se elabora el material encontrado con protagonismo a las formas por si mismas a través de su yuxtaposición a otros materiales. 

El foco especial en el diálogo entre fragmentos, en la emoción que surge al encontrar acordes de color, forma o textura, asemejan la percepción de su trabajo a la de una composición musical. Hacer lenguaje sin literatura, hacer música sin melodía, hacer pintura sin pintura. Hacer construyendo desde la base de lo que está dado, de lo que se encuentra en los márgenes.

 

 

Artists

Ângela Ferreira

Ângela Ferreira, nació en Maputo, Mozambique, creció en Sudáfrica y obtuvo su maestría en Bellas Artes de la Escuela de Bellas Artes Michaelis de la Universidad de Ciudad del Cabo.

El trabajo de Ferreira se preocupa por el impacto continuo del colonialismo y el poscolonialismo en la sociedad contemporánea, una investigación que realiza en profundidad con la materialización de ideas en una formalización concisa y resonante. 

Representó a Portugal en la 52ª Bienal de Venecia en 2007 con una continuación de sus investigaciones sobre los mecanismos a través de los cuáles el modernismo europeo ha querido adaptarse, fracasando en numerosas ocasiones, a las realidades del continente africano, con un proyecto que se concibió a partir de la historia de la “Maison Tropicale” de Jean Prouvé. 

La arquitectura también sirve como punto de partida para profundizar en su larga investigación sobre el borrado de la memoria colonial y el rechazo a la reparación. Por otra parte, sus homenajes escultóricos, sonoros y en video hacen referencia constante a la historia económica, política y cultural del continente africano, mientras recuperan el trabajo y la imagen de figuras inesperadas como Peter Blum, Carlos Cardoso, Ingrid Jonker, Jimi Hendrix, Jorge Ben Jor, Jorge dos Santos, Diego Rivera o Miriam Makeba.

Publicaciones
Os limites do poder do Padrão dos Descobrimentos e o retorno ao arquivo
Mies as Transparent Viewing Cabinet for Pancho’s Crazy Façade
Notes for Political Cameras
Videos
Pretérito perfecto en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ - Visita comentada por el comisario
https://youtu.be/J53iFn7Ss0E
Conversación en Pretérito Perfecto: Ângela Ferreira
https://youtu.be/EIHLJM08xH0
Artists

Arnulf Rainer

  • Landschaft,1991-92
  • Serie Goya. 1990

Su compromiso en la búsqueda de nuevos enfoques pictóricos acompañado de su trabajo performativo y una extensa documentación escrita, le han consagrado como uno de los artistas vivos más influyentes.

Exaltando siempre el lenguaje corporal que pintar implica, resalta las primeras formas de expresión humana y en los 70 comienza a fotografiarse a sí mismo, creando un vínculo entre lo teatral y lo gráfico como medio de expresión. Posicionándose cerca del Accionismo Vienés y explorando la gestualidad a través del performance, expande su práctica al video, y comienza a pintar con las manos, lo que le acompaña en toda su trayectoria.

Interesado en el automatismo y en el deseo de destruir la comunicación convencional para recuperar la riqueza de la expresión humana, Arnulf Rainer basa su expresividad en el ocultamiento de imágenes de otros artistas y autorretratos llegando a la abstracción y al oscurecimiento casi total de las formas. Tratando siempre de liberarse de sus propias limitaciones, incluso las formas de algunos lienzos exceden lo convencional.

Artists

Chiharu Shiota

Heredera de Ana Mendieta y de toda una generación de artistas feministas de principios de los 70, Chiharu Shiota trabaja con su cuerpo como espacio de intervención, realizando performances que tratan la vinculación a la tierra, el pasado y la memoria.

Conocida por sus instalaciones realizadas con la lana como material principal, sus entramados generan una mezcla entre repulsión y atracción onírica, al tiempo que reavivan la memoria, la existencia de una forma filosófica y su ausencia.

La presencia y ausencia del propio cuerpo de la artista es hilo conductor de su obra y se convierte en aquello por lo que hace entender su confrontación con la problemática de definir el trabajo artístico; el objeto artístico y el público, el interior y el exterior.

En su filosofía de trabajo la auténtica obra artística solo se crea cuando las expectativas de formas artísticas de expresión conocidas son abandonadas a favor de una percepción de las cosas que se abre camino sin atribuciones de significado.

 

Prensa
Chiharu Shiota - Dossier de prensa
Videos
Chiharu Shiota para Brilliant Ideas, Bloomberg
https://www.youtube.com/watch?v=ULpxdHy0eZc&t=206s
Artists

Danica Phelps

  • Income's outcome. 2013

La obra de Danica Phelps recoge los precedentes conceptuales no sólo al tomar la economía como objeto de trabajo, sino también en la propia práctica de recogida de datos, de exhaustividad, de ese levantar acta de los hechos que han calificado buena parte de las prácticas conceptuales.

Desde 1996 Danica Phelps ha documentado todos sus ingresos y gastos a través de sus dibujos, en un sistema que crece progresivamente en líneas de trabajo y complejidad. En este sistema, cada dibujo es una representación de una actividad cotidiana, y una documentación de una transacción financiera: cada dólar es representado por una única línea de acuarela, verde para los ingresos, rojo para los gastos y gris para el crédito.

El resultado es un inmenso diario personal, aunque hablar de resultado es complicado, en primer lugar porque la obra sigue en proceso, en segundo, porque la obra en sí no es tanto una obra como un rastro, un documento de trozos de vida y cotidianeidad.

 

Artists

Daniela Libertad

Los trabajos de Daniela Libertad en dibujo, fotografía y video, exploran las diversas relaciones entre formas geométricas, objetos y su cuerpo, la percepción de lo intangible, lo místico y su conexión con la vida cotidiana.


La artista investiga también cómo se construyen y depositan dinámicas escultóricas en los objetos, intentando comprender las relaciones de peso, tensión y equilibrio, que se dan entre materiales, formas y objetos.


Sus trabajos tensionan percepciones de lo que es, a la vez, intangible y cotidiano. El uso de diferentes soportes permite a la artista confrontar elementos inmateriales y formas geométricas con objetos comunes y su propio cuerpo, explorando tanto el carácter místico y etéreo de estos componentes, como aspectos concretos como peso, densidad y tacto. En estos ejercicios de tensión, la artista dinamiza la mezcla entre terrenos aparentemente opuestos, entre lo físico y lo mental o lo abstracto y lo figurativo hacia un estado de equilibrio precario entre las partes que, finalmente, nos informa sobre una condición frágil y banal de nuestra percepción sobre la poesía cotidiana.

 

Publicaciones
Alrededor, dentro (2014)
A todos mis objetos expectantes (2017)
Cuaderno de cálculos (2012)
Gleichgewicht, Spannung, Zeit (2013-2014)
un cuerpo de luz, un punto de polvo (2013)
Prensa
Código por Luis Felipe Ortega, 2008 (ES)
Nkf NEUE kunstwissenschaftliche forschungen, 2014 (EN)
1, 2, volumen por Sofía Mariscal, 2011 (ES / EN)
Studio Visit | Daniela Libertad, por Elena Piedra, 2020 (ES)
Dibujo Actual en México, UNAM, 2020 (ES)
La Tempestad. Cuerpo de luz y de polvo (1/2)
Videos
Daniela Libertad. Casa Conchita 402, Marzo 2020
https://www.youtube.com/watch?v=oIAfiZk1R9k
CONVERSACIÓN: Daniela Libertad, Patricia Martin y Sofía Mariscal en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ
https://www.youtube.com/watch?v=aeor_8_Sa1w
Artists

Fritzia Irizar

  • Sin título (vuelta 1937-2017). 2017
  • Sin título (vuelta 1937-2017). 2017
  • Sin título (quema de billetes) 2017
  • Sin título (ISO 4217, I, II, III, IV…) 2017
  • Sin título (ISO 4217, I, II, III, IV…) 2017
  • Sin título (ISO 4217, I, II, III, IV…) 2017
  • Sin título (100ml de agua de rosas pueden perfumar el Danubio). 2013
  • Sin título (Fe de azar). 2010
  • Palimpsesto por corrupción 1985/2017. 2017

Fritzia Irizar cuestiona el valor del dinero y su poder adquisitivo a través de objetos extraídos de su «hábitat natural» que adoptan cualidades simbólicas, y de los que elimina así su valor monetario, transformando la percepción que el espectador tiene de ellos.

Su trabajo refiere directamente a modos de circulación del capital a pequeña escala, y al consumo de la obra de arte, a cómo las estructuras económicas determinan a los individuos, y cómo se configuran así ciertas subjetividades. Varios de sus proyectos han incorporado diamantes y sal, similares en apariencia y ambos utilizados como divisas en diferentes periodos históricos. La noción de los valores de dichos materiales está sujeta a la creencia y la fantasía, una complejidad siempre presente en sus piezas.

El trabajo de Fritzia reconoce que la historia y la ciencia son casi ficciones, construidas en pequeñas capas de conocimiento, y sujetas por tanto a las decisiones de unos pocos individuos. Aun así, son ficciones a las que nos agarramos, como actos de fe, de pertenencia o voluntad de certeza.

Desprovistas de su contexto habitual, las divisas que Fritiza Irizar utiliza en su trabajo asumen cualidades simbólicas que hablan de la construcción del deseo y el valor.

Publicaciones
Mazatlánica. Fritzia Irizar. MUAC, 2019 ES EN
Prensa
ARTFORUM, Best exhibitions in 2019 by Ruth Estévez EN
Videos
Entrevista a Irizar Fritzia - FIAC
https://www.youtube.com/watch?v=ImFNPMr2NUk
Fritzia Irizar - Requiem (JMAF), 2015
https://www.youtube.com/watch?v=4x94GJ3vqik
Fritzia Irizar - Makech, 2019
https://www.youtube.com/watch?v=18_-wpCz1qE
Fritzia Irizar - AMA, 2017
https://www.youtube.com/watch?v=ohBUKUfPnlY
Fritzia Irizar - Sin título (obsolescencia programada), 2018
https://www.youtube.com/watch?v=UkMOYE4aJpA
Fritzia Irizar - Proceso de producción de "Sin título (Injerto madre perla)", 2015-2018
https://www.youtube.com/watch?v=nngoKdg3h2c
Artists

Jordi Alcaraz

  • Libro de dibujos I. 2016
  • No hi son. 2016
  • Libro de dibujos II. 2016

El discurso de Alcaraz parte de la tradición clásica de la pintura y la escultura para llegar a una reflexión acerca del volumen, el lenguaje y el tiempo a través del uso de materiales, como el agua, el vidrio, los espejos, los reflejos, o los libros que incluyen esta idea.

En su lenguaje artístico predomina la transgresión visual, el juego de diversas miradas y la conjugación de transparencias y agujeros que permiten entrever espacios ocultos, mágicos. Así Jordi Alcaraz va estableciendo, a través de sus obras, una relación inédita, sorprendente y metafórica con el mundo.

Esculturas, pinturas y dibujos, siempre a través de su peculiar tratamiento de los materiales, y sus juegos poéticos de palabras y títulos inesperados. Juegos de bolsas de pigmentos que se hunden en superficies de cristal, mostrando poéticamente el inicio de la pintura, esculturas de madera, que atraviesan la urna de metacrilato en la que se encuentran, pasando de la oscuridad de la noche, a la luz del día, colores que huyen de sus botes a través de agujeros imaginarios, retratos imposibles.

Debido a su obsesión por el oficio del arte, en sus últimas obras profundiza en la exploración, casi obsesiva, del trabajo del artista: dibujar, esculpir, pintar..., centrándose en mayor medida en el ejercicio del hacer, y no en la obra como fin de dicha acción. Como resultado, aparecen obras en las que la ausencia es más importante que la evidencia La ausencia de casi todo, el protagonismo de la desaparición de la obra, la permanencia de la acción. Lo que importa es la sensación de dibujar, lo que hay en el preciso momento antes de hacerlo, la impresión al terminar, pero no la obra en sí, no el dibujo resultante. No hay imagen ni referencia a idea alguna, el artista dibuja pero no queda dibujo. Podemos ver el espacio que ha quedado, el rastro del material utilizado, pero la ausencia de cualquier otra cosa es casi absoluta.

Jordi Alcaraz rompe el material de diversas maneras, todo resulta menos evocador, y más punzante. Capas de materiales se superponen como escudos de protección, y van construyendo diversas y más complejas capas de significados.

Sus obras se encuentran en colecciones como Biedermann Museum, Donaueschingen (Alemania), Colección Fontanal Cisneros, Miami, Williams Collection, Massachusetts, Olor visual.

 

TEXTOS Y CATÁLOGOS:

Exercise in Disappearance, The London List, 2021

Artists

Jordi Teixidor

  • Sin título. 2011
  • Sin título.  2013
  • Dintel I. 2016
  • Sin título. 2015
  • Sin título. 2015
  • Sin título. 2015
  • Sin título. 1343. 2007
  • Africa. 2003
  • La muerte del anarquista. 2002

Considerado uno de los máximos representantes de la abstracción española, Jordi Teixidor se identifica con el pensamiento crítico y la tradición moderna para trasladar a su pintura el espíritu de la duda y de la crítica, profundizando en la abstracción y una pintura racional, apolínea, equilibrada y fuertemente contenida en los elementos expresivos.

La modernidad de Jordi Teixidor es reflexiva y su obra no busca la satisfacción, sino que incita al pensamiento y rechaza toda lectura narrativa.

Con su uso del negro, Teixidor ha formalizado una grave secuencia de imágenes que constituye una de las más destacadas expresiones trágicas de la pintura española contemporánea.

 

 

Publicaciones
Atracción y renuncia en Jordi Teixidor por Miguel Molins ES-EN
Diario rayado por Miguel Molins ES-EN
El lugar de la ausencia por Marilyn Zeitlin ES-EN
Geometría musical por Elvira Maluquer ES-EN
Jordi Teixidor. Ejercicios de atención por Amador Vega ES-EN
Un artista en el Caballo de Troya. Conversación entre Jordi Teixidor y Chantal Maillard ES
Videos
Jordi Teixidor para Hoyesarte
https://www.youtube.com/watch?v=-o3VxhQUGgk
Jordi Teixidor para Processus Creatius
https://www.youtube.com/watch?v=7vI3L2djglI
Jordi Teixidor. Bodegón de Zurbarán: imagen de la memoria (Fundación Amigos Museo del Prado)
https://www.youtube.com/watch?v=pWs_d1R15n4
INTERLUDIO 1: JORDI TEIXIDOR "Fin de partie"
https://www.youtube.com/watch?v=ZL17I0FD1Ik&t=1s
Artists

José Luis Landet

  • Dispositivo narrativa, 2014, Fragmentos de oleo sobre tela sobre madera, 20 X 30 cm.
  • Bordes, 2016
  • Nueva Era, 2016
  • Sin titulo, Oleo sobre tela,2013 160 X 120 cm.
  • Doma, Bandera negra, 2016. Acrílico sobre tela, 140 X 110 cm.
  • Gómez, 2014. Dispositivo descriptivo e interpretación, papel prensa, pinturas
  • Boceto, 2015. Oleo sobre papel. 45.7 x 61 cm.
  • Fragmento, 2013. Oleo sobre tela, medidas variables.
  • Autorretrato, 2014, oleo sobre cartón sobre pintura, 65 x 45 cm.

El trabajo de José Luis Landet involucra diversos modos de operar y asimilar procesos culturales atravesados por acciones sociales, políticas e ideológicas, por medio del cual explora vestigios o desechos socioculturales. La recuperación y presentación de la obra de otros artistas, en su mayoría pintores amateur, representa un caso ideal para los objetivos del artista: recuperar,  documentar, innovar.

Asi, a través de la reconstrucción y del dibujo, concebido como una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas, el artista presenta conceptos diversos, tratando de darles una nueva forma para clasificarlos. Una forma que se acerca a una traducción cruda, primaria y orgánica de la mente.

 

TEXTOS Y CATÁLOGOS:

Carlos Gómez. Presenta José Luis Landet, 2014 (ES EN)

EL FIN DE GÓMEZ ES ETERNO, 2019 (ES)

The Affirmation of Utopia, 2017 (EN)

ERRATAS (1983) de Carlos Gómez a Zé Braulio. Presenta José Luis Landet (PT ES)

Dibujo Actual en México, UNAM, 2020 (ES)

 

Videos
FRAGMENTOS SOBRE UN ARCHIVO DESCONOCIDO DE CARLOS GOMEZ 1945-2014
https://www.youtube.com/watch?v=W_xk5YCGC9s
MIÉRCOLES POSTPICTÓRICO DE CULTURA UDG CON OLGA MARGARITA DÁVILA (cap. I)
https://www.youtube.com/watch?v=K1JRf-inHvs
MIÉRCOLES POSTPICTÓRICO DE CULTURA UDG CON OLGA MARGARITA DÁVILA (cap. II)
https://www.youtube.com/watch?v=SdHW7Icsxcg
Artists

Laura F. Gibellini

La práctica artística de Laura F. Gibellini es de carácter procesual y diagramático y se formaliza fundamentalmente a través del dibujo, instalaciones site specific, el video, la creación de objetos o la escritura.  La consideración del dibujo expandido, así como el abandono de la representación frontal, acotada y bidimensional del dibujo tradicional a favor de proyectos inmersivos y de carácter “ambiental” se encuentran en la base de su trabajo.

Este inicia considerando la noción de lugar y preguntándose cómo nos relacionamos con el mundo, para pasar a indagar sobre qué tipo de convenciones usamos para representarlo y con qué propósito –lo que le lleva de la intimidad de la esfera doméstica al territorio y el medio ambiente—. 

Su trabajo más reciente indaga en aquellos elementos que se encuentran en los límites de lo visible, en los límites de lo representable y por tanto en los límites de aquello que se puede pensar. En particular se centra en aquello que carece de forma estable y sin embargo es básico para la vida (como el aire, el agua, la luz o las condiciones meteorológicas o atmosféricas de determinados lugares) y considera cómo las dificultades de la representación afectan nuestra comprensión del mundo, ya que lo que permanece irrepresentable no se puede reconocer, y por lo tanto pensar. El trabajo de Gibellini explora las brechas de la representación y las posibilidades de pensar lo impensable. 

 

 

Videos
Work and Working Through, Sympoesis (Symposium) - Bath Spa University, 2021
https://www.youtube.com/watch?v=5Ydue71XF8w
INTERLUDIO 2: "Nunca nada parecido" con Ángela Cuadra y Laura F. Gibellini
https://www.youtube.com/watch?v=uTZBZfxPdWc&t=93s
Artists

Mauro Giaconi

La obra de Mauro Giaconi explora las posibilidades del dibujo como campo expandido.  A través de este el artista se extiende sobre otras disciplinas, como la escultura o la instalación, con el fin de investigar la arquitectura, la precariedad y el cuerpo como territorios en conflicto.

En este sentido, el artista subvierte tanto el soporte papel, como la idea del dibujo como expresión básica de la práctica artística, derivando en la ocupación del espacio, en el acto performativo con énfasis en la experiencia corporal y en la intervención de objetos y de referencias universales pertenecientes a la metanarrativa contemporánea.

En el campo conceptual, su trabajo suele presentar contenidos y experiencias que tensionan o anulan nociones opuestas como nacimiento y muerte, construcción y destrucción, libertad y clausura, como un gesto que invita a revisitar y cuestionar la significación dicotómica de ideas.

 

Exposiciones
Prensa
Artspace: Mauro Giaconi - Why I Draw (EN)
Arteinformado: "Tiene un destino de nube", Mauro Giaconi (ES)
Revista Terremoto: "Temporada de Plomo" (ES)
Artists

Moris

  • Bandera blanca. 2016
  • Sin insectos no atrapas peces II. 2016
  • Sin insectos no atrapas peces III. 2016
  • Viendo a través de los párpados. 2016
  • Marca territorial. 2014
  • El mudo. 2013
  • El tiburcio. 2013

La obra de Moris gira en torno a temas que señalan la representación, la voluntad social y subjetiva, cuestiones urbanas y culturas marginales, habitualmente dadas por hecho en las sociedades convencionales. Informado por un trabajo de campo constante, los temas que Moris investiga han formado parte de su vida desde su infancia y son pertinentes a ambas de sus formaciones, personal y profesional.

La calle y el espacio social son su laboratorio de investigación, recogida de datos y pistas, análisis de culturas visuales y estéticas vernáculas. Observando, integrando y aprendiendo de diversos códigos sociales de las clases marginales de la Ciudad de México. Sus dialectos y semiótica, sus estrategias de supervivencia y el uso informal de la estética en su medio ambiente con el fin de hacer la vida rutinaria más humana y digna, son los valores conductores del trabajo de Moris.

 

Publicaciones
9a Bienal de la Habana. Puesto casa carro (2006)
30a Bienal de São Paulo (2012)
Viva la Revolución. A Dialogue with the Urban Landscape (2010)
Mexico. Poetry and Politic (2011)
MORIS. Libro Objeto
Prensa
ARTFORUM: Moris' profile
Forbes México: Moris, el artista rebelde que va y viene del infierno
El Cultural: ARCO 2020
Think Global Act Local
PAC (Plataforma de Arte Contemporáneo): Entrevista a Moris
Videos
Moris - Entrevista Fundación Isabel y Agustín CoppeL ES EN
https://youtu.be/2Qi_L8uaDq4
CONVERSACIÓN: Moris y Juan Herreros en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ
https://youtu.be/u1Nlp7MNUi4
Artists

Pipo Hernández Rivero

  • Terraza, 2018
  • Patio II. 2009
  • Ya no se pintan presentes como los de antes. 2016

Las obras de Pipo Hernandez Rivero plantean dudas acerca de todo tipo de certeza cultural. Construidas con imágenes e ideas ancladas en la cultura moderna, sus obras se mueven en el territorio de la sospecha y la opacidad. Señalando la complejidad de las posibilidades de la pintura en el siglo XXI, su trabajo ofrece una reconsideración de lo pictórico desde estructuras formales y conceptuales bajo las que subyacen referencias al fracaso de a las vanguardias culturales.

Mezclando la pintura con materiales de todo tipo, e involucrando textos en idiomas que escapan a nuestra lectura, desde un panorama occidental, nos sitúan en ambientes asociados con problemáticas políticas, las piezas confrontan al espectador con un dialogo no resuelto, forzándole a repensar las nociones de identidad y valor. Esta falta de entendimiento genera una cierta ansiedad, así como un hueco de interpretación que nos obliga a observar la obra de una forma más profunda.Sus obras juegan a cortar el circuito de inercias de lectura en el seno de la problemática contemporánea.

 

 

Publicaciones
Dominati dalla fretta
El espacio velado [Consideraciones sobre la pintura de Pipo Hernández]. Fernando Castro Flores.
Prensa
Pipo Hernández Rivero - art.es
Pipo Hernández Rivero - ExpoArteMadrid (entrevista)
Videos
'Mediaciones. Artistas y curadoras en diálogo'. Exposición 'In/Out: Un mapa posible', CAAM Gran Canaria
https://www.youtube.com/watch?v=3aSk3X0m_VM&t=5856s
CAMPING: "Fardo", de Pipo Hernández Rivero y Poliana Lima
https://www.youtube.com/watch?v=kIPB6KReo1o&t=16s
Artists

Rafael Grassi

En sus obras Rafael Grassi concilia un apego por la materia pictórica y un gusto por generar una  ilusión de perspectiva, una figuración embustera. Las figuras sirven de punto de partida que se va descomponiendo, librándose de significados preconcebidos y generando una superficie pictórica llena de paradojas y diversidad cromática.

Analogías formales, paradojas, y contaminaciones lingüísticas constituyen algunas de las nociones evocadas en su pintura. Las imágenes fotográficas sirven de punto de partida, inaugurando un proceso de manipulación y metamorfosis sucesivas que permiten conservar la huella de una imagen en descomposición, en la que los elementos otrora narrativos, se emancipan sobre la tela, reconquistando una autonomía liberada de significación.

 

Publicaciones
FRAC Auvergne (Fonds Régional d’Art Contemporain): Rafael Grassi-Hidalgo
LES PAS PERDUS, "Le mot chien ne mord pas". Jérémy Liron
Rafael Grassi. Easy Paintings.
Rafael Grassi. Un univers spécifique, quasi a-gravitationnel.
Prensa
"El nuevo tono de la melancolía", Fernando Castro Flórez sobre Rafafel Grassi. Presencias. ABC Cultural
Videos
Presencias. Rafael Grassi, en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ
https://youtu.be/sE59FIbyPV8
Rafael Grassi - Visita al estudio
https://youtu.be/tHWbKQLsGYo
Rafael Grassi, La caída del Imperio (I) [La chute de l’Empire I], 2010
https://vimeo.com/7206740
Rafael Grassi, La caída del Imperio (II) [La chute de l’Empire II], 2010
https://vimeo.com/7207331
Artists

Rirkrit Tiravanija & Tomas Vu

  • Mañana es la pregunta. 2015
  • Los días de esta sociedad son limitados. 2015
  • Mañana es la pregunta. 2015
  • El miedo desgasta el alma. 2015
  • Together come together. 2015
  • The days of this society is numbered. 2015
  • Fear eats the soul. 2015
  • Trust is not the thing we need. 2015
  • Solo necesita dinamita. 2015

Profesores en la Universidad de Columbia, en 2004 surge la idea de colaborar en proyectos comunes. Con carreras diferentes y perspectivas diversas acerca del arte, Tomas Vu se define como creador ejecutor mientras que Rirkrit Tiravanija es un artista altamente conceptual, entre ambos comparten un trasfondo similar y ciertos orígenes comunes.

Con la convicción de que el arte tiene que observar y comentar la sociedad, incitar a la reflexión con la latitud más amplia posible y dejando espacio a la interpretación, la colaboración de ambos artistas da lugar a una serie de trabajos en los que texto e imágenes se superponen, ampliando espacios de difícil definición.  

Rirkrit Tiravanija (1961, Buenos Aires) es mundialmente reconocido como uno de los artistas más influyentes de su generación. Su práctica desafía cualquier medio, combinando la fabricación tradicional artesana de objetos, performances públicos y privados, la enseñanza y numerosas otras formas de acción social. Museos como el MOMA de Nueva York (1996),  LACMA en Los Ángeles, el Musee d’art Moderne de La Ville de Paris (2005), el Reina Sofia y el Guggenheim, le han dedicado muestras retrospectivas a su trabajo.

Ha participado en la Bienal de Sao Paolo, en la del Whitney Museum y de Venecia en diversas ocasiones.

Rirkrit es profesor de la universidad de Columbia, y fundador de Utopia Station, un proyecto colectivo de artistas, historiadores y comisarios. Es presidente del proyecto educativo y ecológico “The Land Foundation”.

Tomas Vu (1963, Saigon), profesor en la Universidad de Columbia desde 1996, y fundador y director artístico del LeRoy Neiman Center for Print Studies. Ha colaborado con artistas como Kiki Smith, Sarah Sze, William Kentridge, Jasper Johns, Kara Walker así como producido su propio trabajo, expuesto en galerías de Paris, Bogotá, New York, Beijing… Sus series más importantes incluyen Opium Dreams, en la que Vu nos muestra una visión moderna de “El Jardin de las Delicias” de El Bosco, 2006 – 2012 o Flatland, una serie de 103 piezas basada en el ataque al World Trade Center de 2001.

Exposiciones
Videos
Performance de Rirkrit Tiravanija en "Green Go Home", NF/ NIEVES FERNÁNDEZ
https://youtu.be/lpBy8F0Tyow
Artists

Tamara Arroyo

En el cuerpo de obra de la artista hay una insistencia sobre la habitabilidad de los espacios, que deriva en un cuestionamiento sobre la “domesticación” del habitante moderno, el consumo de ciertas formalizaciones y objetos en los interiores de las viviendas actuales, así como en una referencia autobiográfica que articula un discurso sobre la memoria individual y colectiva. 


En esa recurrencia a la imagen de los lugares y a su apropiación a través del arte, la ciudad, el espacio público, aparece como un escenario privilegiado de la cotidianidad, con sus señas de identidad y su potencial creativo.


Mediante diferentes formalizaciones, sus obras hablan de cómo nos influye nuestro entorno y su arquitectura, distinguiendo entre el espacio vivido, vivencial o existencial que opera inconscientemente, y el espacio físico y geométrico. 

La artista pone el acento además sobre diferentes estados intelectuales que se producen al relacionarnos con nuestro entorno inmediato, cómo la necesidad emocional básica de pertenencia a un lugar, la importancia de la visión periférica que nos integra en el espacio, y nos hace ver detalles y situaciones que en ocasiones pasan desapercibidas, pasando de ser meros espectadores a ser estimulados hacia otras sensaciones musculares y táctiles.

 

ENTREVISTA:

Desatados - 114 Tamara Arroyo, RTVE 

Caniche Editorial  - Hablar normal y corriente (Tamara Arroyo)

 

Publicaciones
Querer parecer noche, Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) ES
Fabriquem art al m2, Promotora ES CAT
Postcrisis, Madrid ES
Prensa
Videos
Open Studio Madrid, 2020 (ES)
https://youtu.be/XR0nXGMlZNU