aquilo.es

A lo largo de los siglos, el cuerpo humano ha sido uno de los grandes temas de interés para los artistas. Si pensamos que nosotros, los seres humanos, habitamos nuestro cuerpo, este interés no nos sorprende. Sin embargo, con el paso del tiempo, la forma en que los artistas se aproximan al cuerpo humano ha ido cambiando de manera natural. En los últimos años se ha escrito mucho sobre el cuerpo, y el foco de atención se ha desplazado hacia la idea del cuerpo como vehículo de la memoria, como manifestación de los nuevos sentidos de sexualidad y género, así como también del cuerpo racializado.

Con un enfoque valiente e inusual, la obra videográfica de Sara Carneiro, Colonial Project (2020-23), aborda la gran metáfora del horror del colonialismo y la subsecuente amnesia histórica de sus procesos a través de una visualización mayormente abstracta. Utilizando constantemente la idea de la fluidez de materias y materiales como recordatorios evocadores de la explotación mineral que sustentó el proyecto colonial, las imágenes creadas por la artista aluden al dominio impositivo de la tierra mediante la palma que agarra y exprime, al cuerpo virginal de la leche y el azúcar, a los trazos de la mano que remiten a la memoria (o su pérdida), a la tierra quemada y a los ojos que se apagan con el fuego. La obra se caracteriza por su gran sutileza, pero también por una violencia inherente.

La obra de Nuno Silas se centra deliberadamente en la construcción de la identidad africana a través de la representación del cuerpo. El concepto de identidad está siempre presente en esta impactante serie de collages y montajes digitales. Las obras presentadas en esta exposición provienen de varios momentos de trabajo, con un enfoque especial en la serie The Intensity of Identity (2019-20). El registro constante de su propio retrato sirve como base para una historia del cuerpo transformado y cargado de significado. El artista utiliza métodos similares al automatismo psíquico para construir sus imágenes. Esta técnica, utilizada por los surrealistas, consiste en liberar el inconsciente y permitir que el trazo —o en este caso, las imágenes fotográficas— fluya libremente, sin bloqueos ni juicios. En estas imágenes y en ese cuerpo aparecen alusiones a sentimientos imaginados, migración, deseo, fuerzas espirituales, violencia e incluso magia. Se trata de un ensayo político de expresión personal.

En su práctica artística, Sofia Yala recurre constantemente al uso e interpretación de archivos fotográficos familiares para invitarnos a recontar historias y personajes entre Angola y Portugal. En la serie Type here to Search (2020), a través del lenguaje computacional y la idea de búsqueda en la barra de Microsoft, Yala introduce un factor contemporáneo al archivo, haciéndonos conscientes, como espectadores, de que es necesario investigar mentalmente. La artista nos cuenta que en estas imágenes también aparecen personas que, a pesar de estar incluidas en los álbumes familiares, permanecen desconocidas, subrayando así la importancia de los archivos fotográficos de familias negras. Por otro lado, en la serie The Body as an Archive (2020-21), Yala nos muestra la historia a través de la escritura de memorias de archivo sobre la superficie de la piel, como si la historia quedara grabada en el cuerpo. Como ejemplo, la artista nos habla de su abuelo, que trabajaba en la marina mercante, documentando la transición de la familia hasta la contemporaneidad. En su uso de materiales y tiempos diversos, la obra de Sofia Yala encarna la esencia de la hibridez.

La sorprendente aventura escultórica de Luís Santos se sitúa firmemente en el espacio que nosotros, como espectadores, pisamos. Estas assemblages, que se manifiestan en una escala casi humana, nos permiten una empatía especial, ya que se materializan como figuras. Las tres obras aquí presentadas —Fragments of Being #3 (2023), TV Contraption (2022), Void (2022)— se constituyen como figuras imaginativas y ambiguas que evocan los miedos electrónicos y tecnológicos a los que estamos expuestos, el desmembramiento del cuerpo vulnerable ante redes que aprisionan, espacios biológicos absorbentes que nos arrastran al vacío, o la imagen distante y digital de la naturaleza vista a través de una pantalla. En otro momento, la escultura de cerámica vidriada Anxious (2024) nos aproxima a una metáfora más personal de la encrucijada. Los tres pies cruzados nos detienen en nuestro camino… pero también hay paja suelta y campanas de barro que suenan al pasar, anunciando una conversación más pacífica con la naturaleza.

El título hace referencia a la exposición individual del artista mozambiqueño Luís Santos en el Centro Cultural Franco-Mozambiqueño (CCFM), en Maputo, Mozambique (2019), comisariada por Sara Carneiro.

Ângela Ferreira
Lisboa, 2 de abril de 2025

Sara Carneiro
Portugal, 1994

Sara Carneiro (Viseu, Portugal, 1994) es una artista visual portuguesa residente en Matola, Mozambique. Tras licenciarse en Multimedia por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Oporto en 2017, se trasladó a Mozambique, donde comenzó a impartir clases de Multimedia en la Facultad de Artes del Instituto Superior de Artes y Cultura (ISArC).

En los últimos años, ha presentado su trabajo a nivel internacional en exposiciones y festivales de cine. Su película “Chapter One: The Arrival” fue proyectada en diversos festivales, como el Boda Boda Lounge – African Video Art Festival en 18 ciudades del continente africano, la plataforma Proyector – Videoarte en Madrid, y el Festival de Videoarte FUSO en Lisboa. En 2023, celebró su tercera exposición individual titulada “Blood of my blood” en la histórica Fortaleza de Maputo.

A través de la creación de imágenes abstractas y atmosféricas, en medios que abarcan desde la escultura hasta el cine experimental, Sara explora relaciones simbólicas entre materiales que le permiten reflexionar sobre la historia, la identidad y las nociones de poder.

Sara Carneiro
Colonial Project Trilogy
2023
Vídeo, color, sonido estéreo
22’09»

La trilogía de cine experimental Colonial Project Trilogy de Sara Carneiro propone una reflexión crítica sobre el colonialismo europeo y sus consecuencias persistentes, ofreciendo un análisis provocador y metafísico de los hechos históricos y su resonancia en el presente.

Compuesta por tres capítulos —Chapter One: The Arrival, Chapter Two: Dominance y Chapter Three: Amnesia—, la obra se despliega como una exploración cinematográfica de la ocupación, el control y la borradura de la memoria.

La artista emplea materiales simbólicos como aceite quemado de motor, tierra y fuego para construir paisajes y escenas abstractas que evocan viajes marítimos, usurpación territorial, explotación de recursos naturales, y mecanismos de dominación colonial y jerarquías de poder.
La blanquitud emerge como tema central, entrelazándose con preguntas sobre la identidad, mientras la artista utiliza su propia imagen como medio para cuestionar y confrontar el status quo.

Manteniendo un lenguaje visual experimental, las películas establecen una atmósfera oscura y tensa, invitando a reflexionar sobre el legado estructural del colonialismo que aún moldea nuestro presente.

Luis M. S. Santos
Mozambique, 1993

Luis M. S. Santos (1993) es un escultor mozambiqueño que se graduó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Oporto en 2016. Desde 2017, ejerce como docente en la Facultad de Artes del Instituto Superior de Artes y Cultura de Mozambique.

Ha participado en exposiciones internacionales en Mozambique, Sudáfrica y Portugal, entre las que destacan “What the Body Has Already Forgotten” (Centro Cultural Franco-Mozambiqueño, 2019) y el Premio Paulo Cunha e Silva (Galería Municipal de Oporto, 2023). En 2023, fue galardonado con el Premio Paulo Cunha e Silva (3.ª edición), el Prince Claus Seed Award, y el Premio Mozal de Arte y Cultura.

El dibujo ocupa un lugar central en su proceso creativo, ya que le permite anticipar desafíos técnicos, escenificar performances y explorar la relación entre el cuerpo y la escultura.
Su obra aborda las injusticias sociales y políticas, utilizando el contexto africano como punto de partida, al tiempo que reflexiona sobre el papel del arte en la transformación social, y cuestiona las intersecciones entre humanidad, naturaleza y tecnología.

Luis M. S. Santos
Fragments of Being #1
2023
Madera de chanfuta, cerámica, varilla de hierro, cincha con carraca
320 x 170 x 140 cm

Fragments of Being funciona como un autorretrato metafórico, donde el artista encarna una colección de objetos en una disposición indefinida.
Elementos culturales se entrelazan con materiales estructurales y encontrados, formando un cuerpo fragmentado pero cohesivo.
La obra explora la fluidez de la identidad y la tensión entre el pertenecer y el desarraigo. Reflexiona sobre la capacidad de adaptación: a espacios, contextos y a un yo en constante evolución.
A través de sus yuxtaposiciones, la pieza invita a contemplar la complejidad de la existencia, donde el significado no surge de definiciones fijas, sino de las relaciones dinámicas entre sus partes.

Luis M. S. Santos
TV Contraption
2022
Televisor, DVD, memoria USB, cables eléctricos, espuma expansiva, plexiglás y varilla de hierro
154 x 52 x 59 cm

Flotando sobre la pantalla, la criatura se observa a sí misma atravesando los límites del espacio y del tiempo. El dispositivo, una especie de sonda adornada con asas y cables, ofrece al espectador una perspectiva íntima y voyeurista: una mirada «por encima del hombro» a su travesía.

En el video, los paisajes digitales y naturales colisionan y se funden, creando un reino fluido e interconectado. La criatura recorre estos espacios híbridos con naturalidad, difuminando las fronteras entre lo virtual y lo tangible.
La obra invita a reflexionar sobre la convergencia entre tecnología y naturaleza, y sobre la relación en evolución entre identidad, percepción y los entornos que habitamos.

Luis M. S. Santos
Void
2022
Madera de pino, paja, varilla de hierro
140 x 120 x 60 cm

Void explora los temas del vacío y el infinito, inspirándose en la naturaleza enigmática de un agujero negro. La interacción entre materiales pulidos y en bruto genera una tensión dinámica, mientras que el color vibrante del interior contrasta sutilmente con los elementos naturales del exterior.

La pieza establece un puente entre el diseño contemporáneo y la artesanía cultural, invitando a reflexionar sobre la existencia, el infinito y las fuerzas invisibles que configuran nuestra realidad.

Luis M. S. Santos
Anxious
2024
Gres esmaltado
30 x 30 x 15 cm

Anxious captura la tensión y el desorden de las luchas sociales contemporáneas, abordando temas como la injusticia social, el desplazamiento y la lucha por la supervivencia.
Las formas entrelazadas simbolizan el caos y el conflicto inherentes a las relaciones humanas, en las que los individuos a menudo se perjudican mutuamente en su afán de avanzar.

La pieza funciona como un comentario sobre la ansiedad colectiva generada por las crisis globales —la guerra, el cambio climático y la desigualdad— y el impacto que estas presiones ejercen sobre la capacidad de la humanidad para convivir y prosperar.

Nuno Silas
Mozambique, 1988

La práctica artística de Nuno Silas hace referencia a la identidad mozambiqueña y al patrimonio cultural de la historia africana, centrándose en las intersecciones entre arte, política, tecnología y postmemoria. Crea obras escultóricas a gran escala y en múltiples capas, fotografías y performances, todas ellas informadas por narrativas tanto personales como colectivas. Silas es un artista interdisciplinario y curador cuya práctica abarca instalaciones experimentales, fotografía, cortometrajes, sonido, performances y pintura. Nacido en Maputo, Mozambique, divide su tiempo entre Alemania, Mozambique y Portugal. Posee una licenciatura de la Escuela de Artes y Diseño de Caldas da Rainha.

Actualmente es candidato a doctorado en Historia y Filosofía de la Ciencia, especializado en Museología en la Universidad de Évora, así como en el Instituto de Historia Contemporánea (IHC). Silas es el curador y director artístico del proyecto «Piel Negra, Máscaras Blancas: El Cuerpo Negro en Presencia» (EGEAC, Lisboa) y también trabaja en la exposición «Memorias Difíciles y Descolonización de los Museos en Portugal» en el MUNHAC-Ulisboa, en colaboración con el Plano Nacional das Artes de Lisboa y el Instituto Paulo Freire de Berlín.

Su obra explora el papel de la memoria en las artes, particularmente en Portugal, y ha colaborado en múltiples proyectos de investigación en la Universidad de Bayreuth (Alemania) y otras instituciones. Silas ha recibido varios premios, incluido el Museum Fellowship de la Universidad del Cabo Occidental (UWC) en 2024 y una Mención Honorífica de los Premios Mozal de Arte y Cultura en Mozambique.

Participa activamente en exposiciones internacionales, como la próxima «Joni: Retrato de los Mineros y Familias Mozambiqueñas en Sudáfrica Revisado» (2025). «Painting Revolution» es un proyecto artístico que profundiza en la historia de Mozambique, centrándose en las revoluciones visuales y culturales que dieron forma a la identidad de la nación desde su pasado colonial hasta la era post-independencia. El proyecto combina investigación de archivo, narración visual y métodos artísticos contemporáneos para explorar la evolución de los símbolos nacionales, la propaganda revolucionaria y el papel del arte en el cambio político. Su actual proyecto de investigación, «Escuchar Más que Sonidos: Restitución y Circulación de la Memoria», explora la propaganda postconflicto mozambiqueña a través del sonido y los movimientos visuales.

Nuno Silas
De la serie «The Intensity of Identity»
2019-2020
Impresión inkjet sobre papel Hahnemühle PhotoRag 188gr
90 x 70 cm
Ed. 2/15

Nuno Silas
From the series «The Intensity of Identity»
2019-2020
Impresión inkjet sobre papel Hahnemühle PhotoRag 188gr
90 x 70 cm
Ed. 2/15

Sofia Yala
Portugal, 1994

Sofia Yala, nacida en Lisboa (1994), es una artista visual angoleña/portuguesa cuyo recorrido creativo ha encontrado su hogar entre el Reino Unido, Portugal y Angola. Su práctica artística es una mezcla de exploración y expresión, anclada en la conexión con material de archivo y la creación de imágenes, alineada con imaginarios, narrativas o el extenso tapiz de las identidades.

Encarnando la esencia de la hibridez, la práctica artística de Sofia es una entidad viva en sí misma: una obra en constante desarrollo que resiste la idea de la finalidad. Su enfoque se adentra en el pasado, entrelazándolo con el presente, mientras reserva intencionadamente espacio para reflexiones en curso que abrazan el futuro. Esta evolución incesante permanece fiel al núcleo de su visión, subrayando un vínculo irrompible entre la herencia y la modernidad.

Sofia crea sus piezas con atención al detalle, manipulando texturas y yuxtaposiciones. A través de su proceso, reconfigura memorias y experiencias vividas, llevándolas hacia formas nuevas y transformadoras.

Con una formación académica en Estudios Africanos y Antropología, Sofia se adentró aún más en el ámbito creativo, culminando en 2021 con la obtención de un máster en Cine y Fotografía. Esta base académica no solo ha fortalecido su destreza artística, sino que también ha enriquecido su obra con una perspectiva multidisciplinaria.

En 2022, la artista realizó sus primeras exposiciones individuales tanto en Lisboa como en Brighton, ofreciendo al público un encuentro con sus narrativas. Además, su serie fue destacada en la 13ª edición de los Encuentros de Bamako —Bienal Africana de Fotografía—, lo que reconoció su resonancia en el ámbito de la fotografía contemporánea. Recientemente, también ha sido seleccionada para participar en la 5ª edición de la residencia de la Fundación Nesr Art en Luanda, lo que continúa impulsando su trayectoria artística.

Sofia Yala
De la serie The Body as an Archive
2020/2021
Impresión inkjet sobre papel algodón
41,5 x 63,5 cm (enmarcada)

“The Body as an Archive”, compuesto por documentos del abuelo de Yala y autorretratos performativos, se convierte en una documentación estratificada y una reproducción personal de la historia y de las decisiones de vida. Su práctica actual está profundamente arraigada en contextos culturales e históricos, reforzada por los fuertes lazos familiares establecidos a través de esta obra y para ella. Sin este vínculo, la artista nunca habría llegado a una comprensión y reconocimiento reales del cuerpo como leyenda y eco del recorrido y la historia familiar. Esta es una de las razones por las que trabaja de manera más interdisciplinaria, con el fin de reflejar la complejidad de la historia y la profundidad de las identidades. Este enfoque permanece siempre abierto a la revisión, relectura y reinterpretación del pasado. Incluye la posibilidad de una reflexión crítica futura, sin comprometer la esencia ni los resultados del proceso.

La representación visual de su familia, generalmente mostrada a través de fotografías, revela y pone en evidencia detalles únicos que representan a las familias angoleñas desde los años 50 hasta los años 90. Además, rastrea su desplazamiento hacia Portugal y la formación de las comunidades PALOP como telón de fondo. La documentación del abuelo utilizada en la obra —que incluye notas personales, lugar y fecha de nacimiento, nombre completo, pasaporte, contrato de trabajo, carné de identidad y correspondencia internacional— adquiere, con el paso del tiempo, un valor que supera la mera administración cotidiana que representaba en su momento, y se convierte en una prueba que permite revelar y reflexionar sobre un período histórico y político concreto. La artista parte de la premisa de que siempre hay más por descubrir sobre su familia. Algunos documentos se han perdido, como su “carné de identidad indígena” en Angola o los archivos de su encarcelamiento en Portugal durante el régimen autoritario.

Sofia Yala
De la serie The Body as an Archive
2020/2021
Impresión inkjet sobre papel algodón
45,5 x 63,5 cm (enmarcada)

Sofia Yala
De la serie The Body as an Archive
2020/2021
Impresión inkjet sobre papel algodón
64 x 46 cm (enmarcada)

Sofia Yala
De la serie The Body as an Archive
2020/2021
Impresión inkjet sobre papel algodón
46 x 63 cm (enmarcada)

Sofia Yala
De la serie The Body as an Archive
2020/2021
Impresión inkjet sobre papel algodón
52 x 77 cm (enmarcada)

Sofia Yala
De la serie »Type here to Search»
2020
Impresión inkjet sobre papel algodón
57 x 80 cm
Ed. 2/3 + 1PA

«Type here to search» es una serie que explora preguntas en torno a las fotografías de personas desconocidas en nuestros álbumes familiares. La barra de búsqueda de Microsoft ofrece una lente contemporánea a través de la cual observar imágenes de archivo, especialmente para las nuevas generaciones, donde la tecnología es parte integral de la vida cotidiana y mucha información necesita ser descubierta y redistribuida.

A través de conversaciones con miembros de mi familia, me he dado cuenta de que parte de esa información se ha perdido o fragmentado de manera irreversible. Sin embargo, reconocer la importancia de los álbumes familiares negros y su representación en la historia funciona como una motivación personal para digitalizar, o al menos visualizar, más de esta historia mediante la expresión artística.

Sofia Yala
De la serie »Type here to Search»
2020
Impresión inkjet sobre papel algodón
57 x 80 cm
Ed. 2/3 + 1PA

2.000 € (IVA incluido)

Sofia Yala
De la serie »Type here to Search»
2020
Impresión inkjet sobre papel algodón
80 x 80 cm
Ed. 2/3 + 1PA