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INTERLUDIO 4: TEMPLO-PLADUR. CLARA SÁNCHEZ SALA.

 

INAUGURACIÓN 20/OCT

_{The nude does not simply represent the body, but relates it, by analogy, to all structures}

_{that have become part of our imaginative experience}

_{[El desnudo no representa simplemente el cuerpo, sino que lo relaciona, por analogía, a todas}

_{las estructuras que se han convertido en parte de nuestra experiencia imaginativa]}

_{Kenneth Clark (1956)}

Templo-Pladur genera un paralelismo entre la idea de inmortalidad presente en los desnudos de los dioses griegos con la de los espacios expositivos en el sentido en que se diseñan lugares donde las piezas parecen ser presentadas para la eternidad.

Constante y ancestral ha sido la relación entre la arquitectura y el cuerpo humano.

En la antigua Atenas parecía reinar una armonía entre la carne y la piedra, no solamente la disposición de los templos y las ciudades obedecía a la manera en que los griegos concebían el cuerpo humano, sino que habían convertido el desnudo en objeto de admiración.

Las figuras humanas del friso del Partenón muestran la desnudez de cuerpos jóvenes perfectos de una manera ultraterrenal, aludiendo así a una realidad inmortal. Esta experiencia visual que dignifica y heroiza se asemeja al descrito por Brian O ´Doherty en su ensayo Inside the White Cube: The ideology of the gallery space en el que interpreta el espacio de las galerías modernas como un lugar construido con el objetivo de generar al espectador la sensación de estar fuera del tiempo, o más allá de él. Como si la obra perteneciese ya a la posteridad, o estuviese en un limbo.

El título del proyecto hace referencia al edificio sagrado, pero también menciona el material de construcción utilizado actualmente para el revestimiento de techos y paredes con la intención no solamente de generar un desajuste temporal, sino también de poner en contacto la idea de desnudar o vestir arquitectónicamente las paredes de la galería. El espacio expositivo desnudo es tan perfecto como el cuerpo de los dioses griegos, las obras dispuestas parecen tan eternas como la carne dura de las esculturas que visten y arropan la arquitectura del lugar.

Templo-Pladur pone en contacto la arquitectura de las galerías de arte y los desnudos de los dioses griegos, tan irreales e imposibles que parecen vestidos de carne pétrea, a través del acto de vestir el espacio con obras de arte.

Templo-Pladur es la cuarta edición de Interludios, un conjunto de exposiciones de corta duración en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, cuya propuesta es generar un espacio de visibilidad para proyectos pensados por los artistas, representados o no por la galería, y que hasta entonces no se han podido realizar.

Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987) es licenciada en Bellas Artes por la UCLM, Cuenca; Máster Photoespaña Teoría de la Fotografía y Proyectos Artísticos por la UEM, Madrid y Máster en Investigación en Arte y Creación por la UCM, Madrid. Ha participado en numerosas exposiciones tanto nacionales como internacionales entre las que destacan Fundación Juan March: Museo de Arte Abstracto, Cuenca; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Fundación Marso, Ciudad de México, México; Museu Nacional Soares Dos Reis, Oporto; Fundación Otazu, Pamplona; La Laboral, Gijón; EACC, Castellón y Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Su obra forma de colecciones como DKV, CA2M y Fundación Otazu entre otras.

 

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OPENING 20/OCT

_{The nude does not simply represent the body, but relates it, by analogy, to all structures}

_{that have become part of our imaginative experience}

_{Kenneth Clark (1956)}

Templo-Pladur generates a parallel between the idea of immortality present in the nudes of the Greek gods with that of the exhibition spaces in the sense that places are designed where the pieces seem to be presented for eternity.

Constant and ancestral has been the relation between architecture and the human body.

In ancient Athens, a harmony between flesh and stone seemed to reign, not only the arrangement of temples and cities obeyed the way in which the Greeks conceived the human body, but they had turned nudity into an object of admiration.

The human figures in the Parthenon’s frieze show the nakedness of perfect young bodies in an unearthly way, thus alluding to an immortal reality. This visual experience that dignifies and heroizes is similar to that described by Brian O’Doherty in his essay Inside the White Cube: The ideology of the gallery space in which he interprets the space of modern galleries as a place built with the aim of generating the viewer the feeling of being outside of time, or beyond it. As if the work already belonged to posterity, or was in limbo.

The title of the project refers to the sacred building, but also mentions the construction material currently used for the cladding of ceilings and walls with the intention not only of generating a temporary mismatch, but also of putting in contact the idea of architectural undressing or dressing the gallery walls. The naked exhibition space is as perfect as the body of the Greek gods, the arranged works seem as eternal as the hard flesh of the sculptures that dress and cover the architecture of the place.

Templo-Pladur brings together the architecture of the art galleries and the nudes of the Greek gods, so unreal and impossible that they seem dressed in stony flesh, through the act of dressing the space with works of art.

Templo-Pladur is the fourth edition of Interludios, a set of short-term exhibitions at NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, whose proposal is to create a visibility space for projects thought by the artists, whether or not represented by the gallery, and which until then have not have been possible.

Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987) has a degree in Fine Arts from the UCLM, Cuenca; a Masters’ degree in Photoespaña Theory of Photography and Artistic Projects from the UEM, Madrid and a Masters in Research in Art and Creation from the UCM, Madrid. She has participated in numerous national and international exhibitions, among which at the Fundación Juan March: Museo de Arte Abstracto, Cuenca; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Fundación Marso, Mexico City, Mexico; Museu Nacional Soares Dos Reis, Porto; Fundación Otazu, Pamplona; La Laboral, Gijón; EACC, Castellón and Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Her works belongs to collections such as DKV, CA2M and Fundación Otazu, among others.

 

CAMPING presenta ‘serenity rave’, de Laura Ramírez

 

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‘serenity rave es un lugar, un latido, algo que no es visible pero que está presente. Sería algo así como una suspensión que permanece, que no se cristaliza y que en sí misma tiene la capacidad de mutar para así poder abrir las múltiples posibilidades que podemos encontrar en aquello que todavía no conocemos y que, quizás, nos de miedo. Un lugar donde el cuerpo es un territorio ambiguo que nos hace percibir el mundo pero no completamente y en el que la danza ejerce de médium. Una grieta en la que confluyen pasado, presente y futuro. Una manera de invocar bailando a todos estos tiempos juntos, convirtiéndonos en uno solo, que queda sostenido para siempre. serenity rave es la noche en la que aprendimos a hablar con el cuerpo, en la que nos abrumamos y algo amenazaba ruina; es la noche en la que descubrí que mi brazo era su pierna y la cabeza un fantasma, y yo, que permanecía ahí bailando, sigo bailando.’

Laura Ramírez

Laura Ramírez Ashbaugh es coreógrafa y bailarina. Entre sus intereses se encuentran pensar y explorar sobre todo lo que la rodea, la idea de paisaje, cuerpo ambiguo, los espacios intermedios y el feeling con el beat. Actualmente se encuentra trabajando en su próximo solo llamado serenity rave. Ha trabajado activamente con Ainhoa Hernandez, con la que creó en 2014 el colectivo Twins Experiment, ha colaborado en piezas de María Jerez, Cris Blanco, Lejos Lejos, Esther Rodriguez Barbero, Xavi Manubens o Quim Bigas y hace cuatro años se inició en el mundo del DJ como práctica que la sostiene y complementa, siendo un factor de gran relevancia en su forma de trabajar.

Su trabajo se articula principalmente entre Madrid, Barcelona y Francia. Entre otras actividades, imparte workshops, clases de movimiento, asiste como tutora de procesos a diferentes artistas y colectivos, genera espacios de estudio como MovLab en La Casa Encendida o el club de lectura EL CLUB en los Teatros del Canal, es creadora de un deporte consistente en desaparecer, compone música y textos junto a Andrea Zavala y trabaja en el departamento de educación del Museo Reina Sofía.

‘serenity rave’ es la quinta acción de CAMPING, una iniciativa que abre el espacio de la galería NF/ NIEVES FERNANDEZ a diversos actores culturales, con el fin de que puedan desarrollar y exhibir sus proyectos y creaciones libremente. Tomando como soporte de sus acciones el espacio expositivo, los diversos actores desplegarán sus proyectos temporales interactuando con la exposición instalada en ese momento en la galería.

CAMPING es un proyecto de Nerea e Idoia Fernández directoras de NF/NIEVES FERNANDEZ y de Blanca Cortés, abogada especializada en propiedad intelectual.

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‘serenity rave is a place, a heartbeat, something that is not visible but is present. It would be something like a suspension that remains, that does not crystallize and that in itself has the ability to mutate in order to open the multiple possibilities that we can find in what we do not yet know and that, perhaps, scares us. A place where the body is an ambiguous territory that makes us perceive the world but not completely and, in which, dance acts as a medium. A rift in which past, present and future converge. A way to invoke dancing all these times together, becoming one, which is sustained forever. serenity rave is the night in which we learned to speak with the body, in which we were overwhelmed and something threatened ruin; It is the night I discovered that my arm was his leg and my head was a ghost, and I, who was standing there dancing, I keep dancing.’

Laura Ramírez

Laura Ramírez Ashbaugh is a choreographer and dancer. Among her interests are to think and explore about everything that surrounds her, the idea of landscape, ambiguous body, the spaces in between and the feeling with the beat. She is currently working on her upcoming solo called serenity rave. She has actively worked with Ainhoa Hernandez, with whom she created the Twins Experiment collective in 2014, she has collaborated on pieces by María Jerez, Cris Blanco, Lejos Lejos, Esther Rodriguez Barbero, Xavi Manubens or Quim Bigas and four years ago she began her path also as a DJ within a practice of support and complement to her work and a factor of great relevance in it.

Her work is mainly articulated between Madrid, Barcelona and France. Among other activities, she teaches workshops, movement classes, assists as a process tutor to different artists and groups, generates study spaces such as MovLab in La Casa Encendida or the EL CLUB reading club in the Teatros del Canal, she is the creator of a sport consisting of disappearing, she composes music and texts with Andrea Zavala and works in the education department of the Reina Sofía Museum.

‘serenity rave’ is CAMPING‘s fifth action, an initiative that will open NF/ NIEVES FERNANDEZ’ gallery space to various cultural actors, so that they can freely develop and exhibit their projects and creations. Taking the exhibition space as a support for their actions, the various actors will display their temporary projects interacting with the exhibition installed at that time in the gallery.

CAMPING is a project conceived by Nerea and Idoia Fernández, directors of NF/ NIEVES FERNANDEZ and Blanca Cortés, lawyer specialized in intellectual property.

 

LAURA F. GIBELLINI: SEMINARIO EN BATH SPA UNIVERSITY

Laura F. Gibellini ha participado en el seminario ‘Work and Working Through’, organizado por el grupo de investigación Material/Performing de la Bath Spa University en Reino Unido, con una conferencia performativa.

Para ver la conferencia online, pincha aquí.

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Laura F. Gibellini participated in the ‘Work and Working Through’ seminar, organized by Material/Performing research group at Bath Spa University in the United Kingdom, with a performance lecture.

To see the conference online, click here.

CONVERSACIÓN EN ‘ENTRE EL ENCIMA Y EL DEBAJO’

La exposición ‘Entre el encima y el debajo’ organiza una conversación entre Patricia Martín, Sofía Mariscal y la artista Daniela Libertad, en torno su obra.

La conversación recibe asistentes en formato presencial con aforo reducido en la galería (Calle Blanca de Navarra, 12 – Madrid)

Para participar en la reunión virtual, acceda al siguiente enlace: Conversación en ‘Entre el encima y el debajo’, con Patricia Martín, Sofía Mariscal y la artista Daniela Libertad (ID Zoom: 867 8083 9277 | 11 sep 2021 a las 18.00h, GMT CET-Madrid).

Patricia Martín es comisaria, fundadora de Andamiaje y ex directora de La Colección Jumex, Fundación Casa Wabi y Fundación Alumnos 47.

Sofía Mariscal es la fundadora y directora de la Fundación MARSO en la Ciudad de México y de Arewá en Madrid.

Daniela Libertad es licenciada en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2002-2007), ha estudiado además en la Academia de Artes de Karlsruhe, Alemania (2006-2007) e hizo el master en Artes Visuales en NYU Steinhardt, Nueva York (2008-2010). Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Museo Arte Actual Ex-Teresa, en el Museo de la Ciudad de México y en la Casa Vecina, los tres en Ciudad de México, Akershus Kunstsenter en Oslo, Museum of Human Achievement en Austin, Kunstverein Wiesbaden en Alemania, VITA ROSEN en Gotemburgo y en el Cine Tonalá en Bogotá. La artista ha realizado además residencias en centros como Casa Nano en Tokyo, Museum of Human Achievement (MoHA) en Austin y Casa Wabi en Oaxaca.
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The exhibition ‘Entre el encima y el debajo’ will host a talk between Patricia Martin, Sofía Mariscal and the artist Daniela Libertad on her practice.

The talk welcomes attendees on-site with limited capacity at the gallery (Calle Blanca de Navarra, 12 – Madrid)

To participate in the virtual meeting, enter the following link: Conversación en ‘Entre el encima y el debajo’, con Patricia Martín, Sofía Mariscal y la artista Daniela Libertad (ID Zoom: 867 8083 9277 | 11 sep 2021 at 6 pm, GMT CET-Madrid).

Patricia Martín is a curator, founder of Andamiaje and former director of Jumex Collection, Fundación Casa Wabi and Fundación Alumnos 47.

Sofía Mariscal is the founder and director of Fundación MARSO in Mexico City and of Arewá in Madrid.

Daniela Libertad graduated in Plastic Arts by Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2002-2007), Daniela also studied at the Karlsruhe Arts Academy in Germany (2006-2007) and completed a MA in Visual Arts at NYU Steinhardt, New York (2008-2010). She has exhibited, solo and group shows, at the Museo Arte Actual Ex-Teresa, the Museo de la Ciudad de México and Casa Vecina, all three in Mexico City, Akershus Kunstsenter in Oslo, Museum of Human Achievement in Austin, Kunstverein Wiesbaden in Germany, VITA ROSEN in Gothenburg and in the Cine Tonalá in Bogota. The artist has also had residencies in centers such as Casa Nano in Tokyo, Museum of Human Achievement (MoHA) in Austin and Casa Wabi in Oaxaca.

 

DANIELA LIBERTAD. ENTRE EL ENCIMA Y EL DEBAJO.

INAUGURACIÓN 09 SEP 2021

CONVERSACIÓN 11 SEP 2021, con Patricia Martín y Sofía Mariscal, a partir de las 18.00h

 

Entre el encima y el debajo es la primera exposición individual de Daniela Libertad en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ. La muestra, conformada por dibujos en gran formato, video y esculturas, plantea diversas reflexiones que van desde cómo Libertad construye sus imágenes en el cruce entre el dibujo y el tejido hasta la posibilidad de encontrarse con un nuevo color.

El soporte papel y su materialidad ocupan un lugar de importancia para la conformación y comprensión de las piezas, una vez que la artista lo reconfigura múltiples veces, dibujado, tejido, desbordado, resistiendo o cediendo ante la relación con otros materiales como el hilo o el metal.

Por otro lado, el color también es un elemento fundamental presente en los trabajos de Daniela Libertad, que lo explora hasta un punto de materialización espacial. El color abunda y se mezcla, yuxtapone, cobrando unas características casi físicas, en un gesto que tensiona los límites de su comprensión plástica meramente plana, para darle cuerpo y materialidad en contornos, texturas, volúmenes. Los colores componen y dan forma al tejer, pero también cobran una especie de vida en un campo onírico, como es el caso de la obra audiovisual en la exposición, en la que un nuevo color existe como recuerdo y posibilidad y en la que la narración que hace la artista del encuentro con un nuevo color nos deja ver que el único lugar posible para su existencia es el espacio de la palabra.

Esta exposición se enmarca en el programa de APERTURA Madrid Gallery Weekend 2021. Horarios especiales de la galería: jueves (09/09) de 12 a 20h, viernes y sábado (10-11/09) de 11 a 20h y domingo (12/09) de 11 a 14h.

 

OPENING 09 SEP 2021

EXHIBITION TALKS 11 SEP 2021, with Patricia Martín and Sofía Mariscal, starting at 6 pm

Entre el encima y el debajo [Between the Above and the Below] is Daniela Libertad’s first solo exhibition at NF/ NIEVES FERNÁNDEZ. The exhibition, composed by large-format drawings, video and sculptures, raises various reflections that range from how Libertad constructs her images at the crossroads between drawing and fabric until the possibilities of discovering a new color.

The paper support and its materiality occupy a place of importance for the conformation and understanding of the pieces, once the artist reconfigures it multiple times, drawn, woven, overflowed, resisting or yielding to the relationship with other materials such as thread, yarn or metal.

On the other hand, color is also a fundamental element present in the works of Daniela Libertad, that she explores to a point of spatial materialization. Color abounds and mixes, juxtaposes, turning into an almost physical feature, in a gesture that stretches the limits of the merely flat plastic understanding of it, to provide it with body and materiality in contours, textures, volumes. Colors compose and shape weaving, but they also take on a kind of life in a dreamlike field, as is the case with the audiovisual work in the exhibition, in which a new color exists as a memory and possibility and in which the narration what the artist does of the encounter with a new color lets us see that the only possible place for its existence is the space of the word.

 

This exhibition is part of the program at APERTURA Madrid Gallery Weekend 2021. Gallery’s special hours: Thursday (09/sep) from noon to 8 pm, Friday and Saturday (10-11/sep) from 11 am to 8 pm and Sunday (12/sep) from 11 am to 2 pm.

Chiharu Shiota en PLANTA de Fundació Sorigué, Lleida

Chiharu Shiota y Fundació Sorigué presentan, a partir del 03 de junio, el pabellón de la artista en PLANTA. La instalación permanente de Shiota ha sido creada específicamente para PLANTA, inspirada en el entorno industrial de la gravera de Sorigué y utiliza por primera vez la piedra, protagonista del paisaje de PLANTA, como elemento fundamental en su obra.

En la visita de Shiota a PLANTA, el sonido de las piedras cayendo en las montañas de grava inspiraron en la artista la noción de principio: el material es el elemento básico, en bruto, con el que se creará algo después. El uso de la piedra es pues una alusión poética al concepto de origen.

Por un lado, al origen del universo: La densa trama formada por hilos y piedras es una evocación del cosmos, a través de la cual la artista nos hace tomar conciencia de nuestra fragilidad. Por otro lado, la artista alude al origen del propio grupo empresarial Sorigué, vinculado al movimiento de tierras y en cuyo espacio originario se inspira y se presenta la obra.

Esta instalación culmina un proyecto iniciado en 2015 con la exposición temporal en la Fundació Sorigué bajo el mismo título “In the beginning was…”, y que ha evolucionado hasta la presentación de su instalación permanente, que supone además la primera de estas características en Europa.

Para más información, pincha aquí.

Noticias relacionadas

ABC Cultura: Entrevista a Chiharu Shiota

El País – ICON Design: Un yacimiento mineral de Lleida que atesora obras de Bill Viola, Anselm Kiefer o Chiharu Shiota

El Mundo: La fábrica de hormigón de un pueblo de Lleida que muestra las mayores obras de arte del mundo

La Vanguardia: Chiharu Shiota: un cosmos de lana y piedra que evoca el origen de todo

El Diario.es: La artista Chiharu Shiota crea su primera instalación permanente en España

El País Cataluña: Opinión, La Plana del Corb

Segre Diari: Planta de Sorigué acoge a la japonesa Chiharu Shiota

Segre Diari: Chiharu Shiota ‘interviene’ en el Liceu tras su proyecto en Planta de Sorigué

 

Chiharu Shiota and Fundación Sorigué present, starting on June 3, the artist’s pavilion at PLANTA. Shiota’s permanent installation has been created specifically for PLANTA, inspired by the industrial environment of Sorigué’s gravel pit and for the first time she uses the stone, a protagonist of PLANTA’s landscape, as a fundamental element in her work.

During Shiota’s visit to PLANTA, the sound of stones falling on the gravel mountains inspired the artist’s notion of principle: the material is the basic, raw element, with which something will be created later. The use of stone is thus a poetic allusion to the concept of origin.

On the one hand, at the origin of the universe: The dense weave formed by threads and stones is an evocation of the cosmos, through which the artist makes us aware of our fragility. On the other hand, the artist alludes to the origin of the Sorigué business group itself, linked to the earthworks and in whose original space the work is inspired and presented.

This installation culminates a project started in 2015 with the temporary exhibition at the Sorigué Foundation under the same title ‘In the beginning was …’, and which has evolved until the presentation of its permanent installation, which is also the first of its kind in Europe.

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Danica Phelps en NO PLACE (Madrid, Bogotá, Ciudad de México, Stuttgart)

No Place tiene el placer de anunciar la edición 2021.

Centrada en los dibujos de Danica Phelps de dos proyectos diferentes, pero intrínsecamente conectados: Protection Project y Flow Out, Flow In, la exposición mostrará los últimos trabajos de la artista y permanecerá abierta desde el 28 de abril al 1 de mayo, en las cuatro galerias simultáneamente en España, Colombia, Alemania y México.

Flow Out, Flow In mostrará por primera vez los ingresos y pagos de Protection Project, el proyecto realizado por Danica durante el confinamiento de los meses de Marzo y Abril.

Paralelamente, se celebrará una subasta online de estos dibujos, durante los 4 días de exposición, que te permitirá pujar por ellos, participando así del proyecto.

No te pierdas la edición No Place 2021:

28 ABR – 01 MAY 2021

Madrid | Calle Blanca de Navarra, 12 | NF/ NIEVES FERNÁNDEZ

Bogotá | Diagonal 68 # 12-42 | Galería Nueveochenta

Ciudad de México | Tabasco 198, Roma Nte., Cuauhtémoc | Arróniz Arte Contemporáneo

Stuttgart | Christophstraße 6 | Galerie Michael Sturm

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No Place is pleased to announce the 2021 edition.

Centered on Danica Phelps‘ drawings of two different, but intrinsically connected projects: Protection Project and Flow Out, Flow In, the exhibition will showcase the artist’s latest work and will remain open from April 28 to May 1, at our four galleries simultaneously in Spain, Colombia, Germany and Mexico.

Flow Out, Flow In will display for the first time the incomes and outcomes from Protection Project, the project carried out by Danica throughout the lockdown during March and April.

At the same time, an online auction of these drawings will be held, through the 4 days of the exhibition, which will allow you to bid on them, thus participating in the project.

Don’t miss No Place 2021 edition:

28 APR – 01 MAY 2021

Madrid | Calle Blanca de Navarra, 12 | NF/ NIEVES FERNÁNDEZ

Bogota | Diagonal 68 # 12-42 | Galería Nueveochenta

Mexico City | Tabasco 198, Roma Nte., Cuauhtémoc | Arróniz Arte Contemporáneo

Stuttgart | Christophstraße 6 | Galerie Michael Sturm

 

Ângela Ferreira en Tensta Konsthall, Estocolmo

Ângela Ferreira presenta “Talk Tower for Forough Farrokhzad” en el Tensta Konsthall, en Estocolmo.

El proyecto instalativo rinde un homenaje a la poetisa iraní, Forough Farrokhzad, un referente mundial para el feminismo y para la renovación de la poesía persa con su acercamiento a lo popular. La torre-escultura, en formato de radio, forma parte de un conjunto de obras que enaltecen agentes culturales como fuerzas transformadoras de resistencia y cambio. En estos trabajos, Ângela Ferreira sigue las sendas de y empodera a figuras femeninas y sus voces.

Para más información, pincha aquí.

 

Ângela Ferreira presents “Talk Tower for Forough Farrokhzad” at Tensta Konsthall, in Stockholm.

The installation project pays tribute to the Iranian poet, Forough Farrokhzad, a world reference for feminism and for the renewal of Persian poetry with her approach to the popular. The tower-sculpture, in radio format, is part of a set of works that exalt cultural agents as transforming forces of resistance and change. In these works, Ângela Ferreira follows the paths of and empowers female figures and their voices.

For more information, click here.

_{Image credits: Ângela Ferreira, “Talk Tower for Forough Farrokhzad”, 2020. Variable dimensions. Photo: 4CS /Alfredo Brant}

12 JUN – 20 AGO 2021

 

Alexej Meschtschanow en HAUNT Berlin

Alexej Meschtschanow presenta una exposición en diálogo con Leon Manoloudakis y comisariada por Lukas Treiber en HAUNT Berlin.

Para más informaciones sobre la exposición, pinche aquí.

26 Mar  – 24 Abr 2021

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Alexej Meschtschanow presents an exhibition in dialogue with Leon Manoloudakis and curated by Lukas Treiber at HAUNT Berlin.

For more information about the exhibition, click here.

26 Mar  – 24 Apr 2021

CAMPING presenta ‘Fardo’, de Pipo Hernández Rivero y Poliana Lima

 

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Fardo propone un encuentro entre el experimento sonoro, la danza contemporánea y el entorno galerístico.

Fardo ofrece una experiencia sin sujetos pasivos.

Fardo reconoce la relación íntima entre el sujeto contemporáneo y una suerte de mismidad tecnológica: el móvil que posee.

Fardo juega a desmantelar el protocolo de apagado de móviles durante el espectáculo.

Fardo promueve el uso activo del móvil como fuente sonora del espectáculo.

Fardo invita a los asistentes del público a instaurar y mantener la trama sonora mediante la activación a voluntad de cualquiera o de toda la variedad de alarmas instaladas en sus móviles. 

Fardo pretende una experiencia en la que la danza contemporánea actuará como catalizadora de tal complejidad.

Por tanto:

Fardo presenta a la bailarina y coreógrafa Poliana Lima que será la encargada de administrar los obstáculos, encuentros y posibilidades inherentes a la tensión dinámica que ofrece una galería de arte con una exposición en curso, un público activo esparcido por ella de forma aleatoria y un estado sonoro imprevisible.

 

POLIANA LIMA (Brasil, 1983) es coreógrafa, bailarina y docente, afincada en Madrid. Asume la danza como una parte esencial de su vida y como herramienta para hablar de la condición humana y lo misterioso de nuestra existencia. Entre sus trabajos más destacados, están: ‘Palo En La Rueda’ (2011); ‘Es Como Ver Nubes’ (2012), premio del Público del XXVI Certamen Coreográfico de Madrid y ‘Flesh’ (2012), ambas con Ugne Dievaityte; ‘Cuerpo-Trapo’ (2013) para el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb, Croacia; ‘Atávico’ (2014), primer premio en el XXVIII Certamen Coreográfico de Madrid, premio del Público, premio de la Crítica, Beca Dance Web 2015 (Impulstanz Viena) y residencia en Tanzhaus, Zurich; ‘Las cosas se mueven pero no dicen nada’ (2016) para el Laboratorio 180 y en Teatros del Canal en 2020; ‘Hueco’ (2019), solo en los Teatros del Canal y Festival BAD Bilbao. En 2021 se estrena en Francia, en el Centre National de la Danse en Paris y sigue su gira por Europa. Poliana Lima es la artista de España en Aerowaves 20/21.

PIPO HERNÁNDEZ RIVERO (Telde,Gran Canaria, 1966) ha expuesto en galerías de Madrid, Milán, Tenerife, Las Palmas, Barcelona y Berlín. Además, ha realizado exposiciones individuales en la Ermita del Gran Poder y en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife, el Centro de Arte de La Recova, y en la Sala de Arte Contemporáneo de Tenerife. Y también ha participado en la Bienal de Canarias, la Bienal de La Habana, y en exposiciones colectivas en el Artium de Vitoria, los museos de Cracovia, Praga y Budapest, y el CAAM Centro Atlántico de Arte Moderno. Sus obras se pueden encontrar en colecciones privadas en Turquía, EEUU, México, Italia, España, así como en las colecciones del ARTIUM, el CAAM, el TEA.

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‘Fardo’ es la cuarta acción de CAMPING, una iniciativa que abre el espacio de la galería NF/ NIEVES FERNANDEZ a diversos actores culturales, con el fin de que puedan desarrollar y exhibir sus proyectos y creaciones libremente. Tomando como soporte de sus acciones el espacio expositivo, los diversos actores desplegarán sus proyectos temporales interactuando con la exposición instalada en ese momento en la galería.

CAMPING es un proyecto de Nerea e Idoia Fernández directoras de NF/NIEVES FERNANDEZ y de Blanca Cortés, abogada especializada en propiedad intelectual.

 

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Fardo proposes an encounter between the sound experiment, contemporary dance and the gallery environment.

Fardo offers an experience without passive subjects.

Fardo recognizes the intimate relationship between the contemporary subject and a kind of technological sameness: the mobile that one possesses.

Fardo plays at dismantling the mobile shutdown protocol during the show.

Fardo promotes the active use of mobile phones as a sound source for the show.

Fardo invites public attendees to establish and maintain the sound plot by activating any or all of the variety of alarms installed on their mobiles at will.

Fardo seeks an experience in which contemporary dance will act as a catalyst for such complexity.

Therefore:

Fardo presents the dancer and choreographer Poliana Lima who will be in charge of managing the obstacles, encounters and possibilities inherent to the dynamic tension offered by an art gallery with an ongoing exhibition, an active audience randomly scattered around it, and a state of unpredictable sound.

 

POLIANA LIMA (Brazil, 1983) is a choreographer, dancer, and teacher living in Madrid. She understands dance as an essential part of her and uses it as a tool to discuss human conditions, and the mysteries of our existence. Amongst her most notable works, there are: ‘Palo En La Rueda’ (2011); ‘Es Como Ver Nubes’ (2012), Public Prize at XXVI Certamen Coreográfico de Madrid and ‘Flesh’ (2012), both with Ugne Dievaityte; ‘Cuerpo-Trapo’ (2013) for the Museum of Contemporary Art (MSU) in Zagreb, Croatia; ‘Atávico’ (2014), first award at XXVIII Certamen Coreográfico de Madrid, Public Prize, Critics Award, Dance Web 2015 Grant (Impulstanz Viena) and residency at Tanzhaus, Zurich; ‘Las cosas se mueven pero no dicen nada’ (2016) for Laboratorio 180 and presented in Teatros del Canal in 2020; ‘Hueco’ (2019), solo at Teatros del Canal and Festival BAD Bilbao. In 2021 she premieres in France, at the Centre National de la Danse in Paris and continues her tour through Europe. Poliana Lima is the representing artist from Spain at Aerowaves 20/21.

PIPO HERNÁNDEZ RIVERO (Telde,Gran Canaria, 1966) has exhibited in galleries in Madrid, Milan, Tenerife, Las Palmas, Barcelona and Berlin. He has also had individual exhibitions in the Hermita del Gran Poder and in the Circle of Fine Arts of Tenerife, the Art Center of La Recova, and in the Contemporary Art Room of Tenerife. Moreover, he has participated in the Canary Islands Biennial, the Havana Biennial, and in group exhibitions at the Artium in Vitoria, the Krakow, Prague and Budapest museums, and the CAAM Atlantic Center for Modern Art. His works can be found in private collections in Turkey, USA, Mexico, Italy, Spain, as well as in the collections of ARTIUM, CAAM, TEA.

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‘Fardo’ is CAMPING‘s fourth action, an initiative that will open NF/ NIEVES FERNANDEZ’ gallery space to various cultural actors, so that they can freely develop and exhibit their projects and creations. Taking the exhibition space as a support for their actions, the various actors will display their temporary projects interacting with the exhibition installed at that time in the gallery.

CAMPING is a project conceived by Nerea and Idoia Fernández, directors of NF/ NIEVES FERNANDEZ and Blanca Cortés, lawyer specialized in intellectual property.