arco.es.pr

Tamara Arroyo
España, 1972

En el cuerpo de obra de la artista hay una insistencia sobre la habitabilidad de los espacios. Arroyo cuestiona la “domesticación” del habitante moderno y el consumo de ciertas formalizaciones y objetos en los interiores de las viviendas actuales. La referencia autobiográfica presente en su trabajo sirve para articular un discurso sobre la memoria individual y colectiva.

En la recurrencia a la imagen de los lugares de los que Arroyo se apropia, la ciudad y el espacio público aparecen como un escenario privilegiado de la cotidianidad, con sus señas de identidad y gran potencial creativo.
Mediante diferentes formalizaciones, sus obras hablan de cómo nos influyen el entorno y su arquitectura, distinguiendo entre el espacio vivido, vivencial o el existencial que opera inconscientemente.

La artista pone el acento sobre diferentes estados intelectuales que se producen al relacionarnos con nuestro entorno inmediato, tales como la necesidad emocional de pertenencia a un lugar, o la importancia de la visión periférica que nos integra en el espacio. Esta última nos permite apreciar detalles y situaciones que en ocasiones pasan desapercibidas, y nos hace pasar de ser meros espectadores a receptores de otros estímulos.

Ha realizado exposiciones en instituciones como el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, La Casa Encendida, Matadero Madrid Centro de Creación Contemporánea, CentroCentro, Es Baluard Museu, Real Academia de España en Roma e Instituto Valenciano de Arte Moderno, entre otras.

Su obra se encuentra en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Centro de Arte Dos de Mayo, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Colección DKV y Colección Banco Sabadell.

Tamara Arroyo
Relaciones (I)
2016
Tela
72 x 65 cm

5.100 € (IVA incluido)

Tamara Arroyo
Relaciones (II)
2016
Tela
65 x 65 cm

5.100 € (IVA incluido)

Tamara Arroyo
Relaciones (III)
2016
Fabric
100 x 60 cm

6.900 € (IVA incluido)

Más información y obras disponibles de Tamara Arroyo aquí

Mauro Giaconi
Argentina, 1977

La obra de Mauro Giaconi explora las posibilidades del dibujo como campo expandido. A través de este el artista se extiende sobre otras disciplinas, como la escultura o la instalación, con el fin de investigar la arquitectura, la precariedad y el cuerpo como territorios en conflicto.

En este sentido, el artista subvierte tanto el soporte papel, como la idea del dibujo como expresión básica de la práctica artística, derivando en la ocupación del espacio, en el acto performativo con énfasis en la experiencia corporal y en la intervención de objetos y de referencias universales pertenecientes a la metanarrativa contemporánea.

En el campo conceptual, su trabajo suele presentar contenidos y experiencias que tensionan o anulan nociones opuestas como nacimiento y muerte, construcción y destrucción, libertad y clausura, como un gesto que invita a revisitar y cuestionar la significación dicotómica de ideas.

Por otra parte, Mauro Giaconi realiza un trabajo como dinamizador crítico de los sistemas de producción del arte, habiendo co-fundado en el 2014 los proyectos: Obrera Centro, espacio auto-gestionado que promueve la experimentación artística interdisciplinaria; y HerratecA, biblioteca popular de herramientas. Ambos casos revelan el interés del artista por prácticas colaborativas que generan nuevos espacios y acciones transformadoras, bajo la premisa de que a partir de lo colectivo y del dialogo surgen posibilidades de avances y accesos a la cultura.

He has held solo exhibitions at the Boulder Museum of Contemporary Art, the Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, and the Museo Universitario del Chopo, and has participated in group exhibitions at the Gregory Allicar Museum of Art, the Centro Cultural Recoleta, and the Museo del Palacio de Bellas Artes in Mexico City.

His works are part of collections such as Colección Jumex, Fundación Calosa, SPACE Collection, and the Bemis Center for Contemporary Art.

Mauro Giaconi
Trepen a los techos 01
2023
Pigmento y goma de borrar sobre páginas de Enciclopedia
110 x 80 cm

8.000 € (IVA incluido)

aquí

Pipo Hernández Rivero
España, 1966

Las obras de Pipo Hernandez Rivero plantean dudas acerca de todo tipo de certeza cultural. Construidas con imágenes e ideas ancladas en la cultura moderna, sus obras se mueven en el territorio de la sospecha y la opacidad.

Señalando la complejidad de las posibilidades de la pintura en el siglo XXI, su trabajo ofrece una reconsideración de lo pictórico desde estructuras formales y conceptuales bajo las que subyacen referencias al fracaso de a las vanguardias culturales al mismo tiempo que evidencian que a menudo la estandarización de determinados discursos genera exclusión de voces.

Mezclando la pintura con materiales de todo tipo, e involucrando textos en idiomas que escapan a nuestra lectura, desde un panorama occidental, sus piezas nos sitúan en ambientes asociados con problemáticas políticas, confrontando al espectador con un dialogo no resuelto y forzándole a repensar las nociones de identidad y valor.

He has exhibited at the Centro Atlántico de Arte Moderno, Fundación MARSO, Museo de Arte de Pereira, ARTIUM Museoa, Centro de Arte La Recova, Círculo de Bellas Artes de Tenerife, Fundación Otazu, Museum of Fine Arts Budapest, Centre del Carme Cultura Contemporània, Prague Art Museum, and the Contemporary Art Hall of Tenerife. He has also participated in biennials such as the Havana Biennial, the Canary Islands Biennial, and the Dakar Biennale.

His works are part of the collections of TEA Tenerife Espacio de las Artes, Centro Atlántico de Arte Moderno, ARTIUM Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Fundación MARSO, Colección Galila Barzilaï, Kells Collection, Olor Visual, and MUDO Istanbul.

Pipo Hernández Rivero
Normas para el acecho
2025
Madera, óleo, plástico y lienzo
200 x 225 cm

Vendida. Colección privada

Más información y obras disponibles de Pipo Hernández Rivero aquí

José Luis Landet
Argentina, 1977

El trabajo de José Luis Landet se concibe como un lugar dónde suceden diversos modos de operar y asimilar procesos culturales, atravesados por acciones sociales, políticas e ideológicas. Su interés se centra en investigar vestigios o desechos socioculturales, como podría ser a través de la recuperación de paisajes en oleo de los años 1940 a 1970 de características románticas y bucólicas, comúnmente realizadas por pintores amateur, los llamados “pintores de domingo”. En este sentido, el trabajo de Landet busca cierta noción de paraíso, recreando un individuo apócrifo.

Los materiales que componen sus trabajos pueden ser tanto estas representaciones pictóricas, como también otros elementos simbólicos como objetos cotidianos, fotografías, cartas, postales, diapositivas, escritos, revistas y libros, generando deconstrucciones materiales y conceptuales.

La obra de José Luis Landet pone en evidencia no solamente la materialidad de sus elementos, sino también su carga de memoria, tiempo y uso. Asimismo, cada proyecto artístico está imbuido de especificidades y, por lo tanto, requieren del artista una compleja acción creativa que parten desde el clasificar hasta el archivar, pasando por cortar, quebrar, tapar, falsificar, sumergir, fragmentar y simular.

En este sentido, las acciones metafóricas-poéticas de José Luis Landet se manifiestan en zonas fronterizas, entre lo público y lo privado, el pasado utópico y el presente distópico, el silencio y la comunicación o, incluso, una historia universalizante y gestos de resignificación historiográfica desde lo local.

Ha expuesto en instituciones como la Fundación PROA, Museo Ex Teresa Arte Actual, FLORA ars+natura y Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, entre otras.

Su obra se puede encontrar en las colecciones Jumex, Louisiana Museum, LACMA, Colección Jorge Pérez, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Sayago & Pardon, JoAnn González-Hickey Collection y Brillembourg Capriles Collection.

José Luis Landet
La vida en los bosques
2021
Fragmentos de óleo sobre lienzo y esmalte negro
26,5 x 20,5 cm cada pieza (8 piezas)

11.000 € (IVA incluido)

José Luis Landet
Bordes
2019
Fragmentos de lienzos
140 x 110 cm

11.000 € (IVA incluido)

Más información y obras disponibles de José Luis Landet aquí

Daniela Libertad
México, 1983

Los trabajos de Daniela Libertad en dibujo, fotografía y video, exploran las diversas relaciones entre formas geométricas, objetos y su cuerpo, la percepción de lo intangible, lo místico y su conexión con la vida cotidiana.
La artista investiga también cómo se construyen y depositan dinámicas escultóricas en los objetos, intentando comprender las relaciones de peso, tensión y equilibrio, que se dan entre materiales, formas y objetos.
Sus trabajos tensionan percepciones de lo que es, a la vez, intangible y cotidiano. El uso de diferentes soportes permite a la artista confrontar elementos inmateriales y formas geométricas con objetos comunes y su propio cuerpo, explorando tanto el carácter místico y etéreo de estos componentes, como aspectos concretos como peso, densidad y tacto. En estos ejercicios de tensión, la artista dinamiza la mezcla entre terrenos aparentemente opuestos, entre lo físico y lo mental o lo abstracto y lo figurativo hacia un estado de equilibrio precario entre las partes que, finalmente, nos informa sobre una condición frágil y banal de nuestra percepción sobre la poesía cotidiana.

Ha expuesto en instituciones como el Museo Ex-Teresa Arte Actual, Museo de la Ciudad de México, Akershus Kunstsenter, Kunstverein Wiesbaden, El Espacio23, Museum of Human Achievement, University of Maryland, VITA ROSEN y Cine Tonalá Bogotá, entre otras.

Su obra pertenece a las colecciones de Jorge Pérez, Fundación MARSO y Fundación Otazu.

Daniela Libertad
Forma, fondo (fieltro) 4
2024
Fieltro, lápiz de color sobre papel
21 x 29 cm cada pieza (tríptico)

4.000 € (IVA incluido)

Daniela Libertad
Forma, fondo (fieltro) 7
2024
Fieltro, lápiz de color sobre papel
21 x 29 cm cada pieza(tríptico)

4.000 € (IVA incluido)

Daniela Libertad
Forma, fondo (fieltro) 8
2024
Fieltro, lápiz de color sobre papel
21 x 29 cm cada pieza (tríptico)

4.000 € (IVA incluido)

Más información y obras disponibles de Daniela Libertad aquí

Gareth Nyandoro
Zimbabwe, 1982

Gareth Nyandoro es conocido por sus grandes obras en papel, que a menudo desbordan su formato bidimensional para convertirse en instalaciones que incluyen recortes de papel y objetos encontrados en los mercados de Harare, donde vive y trabaja. La principal fuente de inspiración del artista es el paisaje cotidiano de la ciudad y sus habitantes, tanto dentro del contexto local como del panorama cultural más amplio de Zimbabue. Inspirado por su formación en grabado y derivado del proceso de grabado, la técnica distintiva del artista, Kucheka cheka, recibe su nombre de las declinaciones en infinitivo y presente del verbo cheka en shona, que significa “cortar”.

Ha realizado exposiciones en instituciones como el Palais de Tokyo, Quetzal Art Centre, Rijksakademie y Zeitz MOCAA, entre otras.

Su obra se encuentra en colecciones como el MoMA New York, Zeitz MOCAA, Fondation Sindika Dokolo, Instituto Inhotim, Rachofsky Collection, SAM Art Projects y National Gallery of Zimbabwe.

Gareth Nyandoro
$1 FOR 10 bananas
2024
Tinta sobre papel sobre lienzo
180 x 280 cm

Vendida

Más información y obras disponibles de Gareth Nyandoro aquí

Danica Phelps
Estados Unidos, 1971

La obra de Danica Phelps recoge los precedentes conceptuales no sólo al tomar la economía como objeto de trabajo, sino también en la propia práctica de recogida de datos, de exhaustividad, de ese levantar acta de los hechos que han calificado buena parte de las prácticas conceptuales.

Desde 1996 Danica Phelps ha documentado todos sus ingresos y gastos a través de sus dibujos, en un sistema que crece progresivamente en líneas de trabajo y complejidad. En este sistema, cada dibujo es una representación de una actividad cotidiana, y una documentación de una transacción financiera: cada dólar es representado por una única línea de acuarela, verde para los ingresos, rojo para los gastos y gris para el crédito.

El resultado es un inmenso diario personal, aunque hablar de resultado es complicado, en primer lugar porque la obra sigue en proceso, en segundo, porque la obra en sí no es tanto una obra como un rastro, un documento de trozos de vida y cotidianeidad.

Ha participado en la Trienal del Whitney Museum y ha expuesto en instituciones como el New Museum, Hammer Museum, Brooklyn Museum, Fundación La Caixa y Folkwang Museum, entre otras.

Sus obras pueden encontrarse en las colecciones del Brooklyn Museum of Art, Arkansas Art Center, Daimler Art Collection, Farnsworth Museum, Hammer Museum, Magasin 3 Konsthall, Seattle Art Museum, University of New Mexico Art Museum, Wien Museum, Yale Art Museum, Fundación La Caixa y Tang Teaching Museum.

Danica Phelps
4 Mortgages January 2024
2025
Lápiz sobre papel
55 x 76 cm

3.200 € (IVA incluido)

Danica Phelps
4 Mortgages 2024
2025
Lápiz sobre papel
76 x 104 cm

3.200 € (IVA incluido)

Más información y obras disponibles de Danica Phelps aquí

Arnulf Rainer
Austria, 1929

Su compromiso en la búsqueda de nuevos enfoques pictóricos acompañado de su trabajo performativo y una extensa documentación escrita, le han consagrado como uno de los artistas vivos más influyentes.

Exaltando siempre el lenguaje corporal que pintar implica, resalta las primeras formas de expresión humana y en los 70 comienza a fotografiarse a sí mismo, creando un vínculo entre lo teatral y lo gráfico como medio de expresión. Posicionándose cerca del Accionismo Vienés y explorando la gestualidad a través del performance, expande su práctica al video, y comienza a pintar con las manos, lo que le acompaña en toda su trayectoria.

Interesado en el automatismo y en el deseo de destruir la comunicación convencional para recuperar la riqueza de la expresión humana, Arnulf Rainer basa su expresividad en el ocultamiento de imágenes de otros artistas y autorretratos llegando a la abstracción y al oscurecimiento casi total de las formas. Tratando siempre de liberarse de sus propias limitaciones, incluso las formas de algunos lienzos exceden lo convencional.

En 1978 representa a Austria en la Bienal de Venecia, y durante varios años participa en Documenta Kassel. Entre los museos que le han dedicado retrospectivas se destacan el Albertina Museum, Stedelijk Museum, Guggenheim Museum, Nationalgalerie, Kunsthalle de Berna y Kunstverein de Hamburgo.

Sus obras se encuentran en las colecciones Stedelijk, MoMA New York, Ludwig Museum, Tate Britain, Metropolitan Museum, Guggenheim y Centre Georges Pompidou, entre otras.

Arnulf Rainer
Blumenserie (I)
ca. 2000
Técnica mixta sobre papel sobre madera
44 x 31,5 cm

31.000 € (IVA incluido)

Arnulf Rainer
Blumenserie (II)
ca. 2000
Técnica mixta sobre papel sobre madera 44 x 31,5 cm

31.000 € (IVA incluido)

Arnulf Rainer
Hand- und Fingermalerei
1987-88
Óleo sobre cartón sobre madera
54 x 77 cm

142.000 € (IVA incluido)

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Clara Sánchez Sala
Spain, 1987

“Escribir es intentar saber qué escribiríamos si escribiéramos”
Marguerite Duras, Écrire, Gallimard, 1993

Como un eco de la práctica artística de Clara Sánchez Sala, esta cita de Marguerite Duras acompaña toda su producción hasta la fecha. Si para Duras la escritura es una intención, para Sánchez, el acto de crear es una tentativa que transcurre en el imposible encuentro del pasado y el presente.

La artista recuerda y mide constantemente sus viajes favoritos, el tiempo que transcurre entre los hechos autobiográficos y la historia. A partir de esta poética de la intimidad, no solo recrea su historia personal, sino que también juega con los desajustes temporales para despertar un sentimiento de extrañamiento ante su entorno personal.

Las obras de Clara son indicios que apuntan al efecto heurístico de la distancia. La artista coloca así al espectador en la situación del arqueólogo, viendo las piezas como acertijos que no puede identificar directamente. Sánchez Sala usa regularmente este proceso de distanciamiento para cuestionar lo que se ve y lo que se conoce, y así subrayar la idea de impermanencia e incompletitud.

Ha participado en exposiciones en Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Centro de Arte Dos de Mayo, Fundación MARSO, Fundación Otazu, La Laboral, EACC y Centro Cultural Conde Duque.

Su obra forma parte de colecciones como el Centro de Arte Dos de Mayo, Colección DKV, Kells Collection y Fundación Otazu, entre otras.

Clara Sánchez Sala
À mon seul désir
2025
Maquillaje sobre seda
133 x 163 cm

6.800 € (IVA incluido)

Clara Sánchez Sala
Mettersi un velo davanti agli occhi
2024
Maquillaje sobre seda
92 x 92 cm

Vendida

Más información y obras disponibles de Clara Sánchez Sala aquí

Chiharu Shiota
Japón, 1972

Heredera de Ana Mendieta y de toda una generación de artistas feministas de principios de los 70, Chiharu Shiota trabaja con su cuerpo como espacio de intervención, realizando performances que tratan la vinculación a la tierra, el pasado y la memoria.

Conocida por sus instalaciones realizadas con la lana como material principal, sus entramados generan una mezcla entre repulsión y atracción onírica, al tiempo que reavivan la memoria, la existencia de una forma filosófica y su ausencia.

La presencia y ausencia del propio cuerpo de la artista es hilo conductor de su obra y se convierte en aquello por lo que hace entender su confrontación con la problemática de definir el trabajo artístico; el objeto artístico y el público, el interior y el exterior.
En su filosofía de trabajo la auténtica obra artística solo se crea cuando las expectativas de formas artísticas de expresión conocidas son abandonadas a favor de una percepción de las cosas que se abre camino sin atribuciones de significado.

Ha realizado exposiciones en instituciones como el Gropius Bau, Mori Art Museum, Jameel Art Centre, Gottesborg Museum, The Art Gallery of South Australia, Louisiana Museum, Kiasma, Hayward Gallery, Fundación Sorigué, Palazzo Reale Milano, The Museum of Kyoto, Maison Rouge, MONA Museum, Matress Factory, entre otras.

Ha representado a Japón en la 56ª edición de la Bienal de Venecia. Además, ha realizado la escenografía de la opera Matsukaze junto a Sasha Waltz y de Tristan e Isolda para el KielTeater.

Su obra se encuentra en colecciones como el National Museum of Modern Art, Tokyo, Fundación Sorigué, Centre Georges Pompidou, Kiasma, entre otras.

Chiharu Shiota
State of Being
2019
Hilo sobre metal
35 x 62 x 134 cm

88.000 € (IVA incluido)

Chiharu Shiota
Connected to the Universe CS/D240512
2024
Hilo sobre lienzo
41,3 x 30,1 cm

16.000 € (IVA incluido)

Más información y obras disponibles de Chiharu Shiota aquí

Jordi Teixidor
España, 1941

Considerado uno de los máximos representantes de la abstracción española, Jordi Teixidor se identifica con el pensamiento crítico y la tradición moderna para trasladar a su pintura el espíritu de la duda y de la crítica, profundizando en la abstracción y una pintura racional, apolínea, equilibrada y fuertemente contenida en los elementos expresivos.

La modernidad de Jordi Teixidor es reflexiva y su obra no busca la satisfacción, sino que incita al pensamiento y rechaza toda lectura narrativa.

Más que un tour de force acerca de las posibilidades de la abstracción en el momento actual del desarrollo evolutivo de las artes plásticas en la sociedad post industrial, su trabajo ha de ser entendido como una reflexión estética e intelectual sobre los límites de la pintura, como una búsqueda en pos de la no-pintura, como el anhelo irrealizable de hacer el cuadro definitivo, o, lo que es lo mismo, el no-cuadro, pero también como la expresión personal de un sentimiento de fracaso ético-político.

Con su uso del negro, Teixidor ha formalizado una grave secuencia de imágenes que constituye una de las más destacadas expresiones trágicas de la pintura española contemporánea.

Ha participado en la Bienal de Venecia, y ha expuesto en instituciones como el Guggenheim Museum de Nueva York, Academia Española en Roma, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, UNAM Museo de Arte Contemporáneo de Ciudad de México o el IVAM, entre otras.

Su obra se puede encontrar en las colecciones del Guggenheim de Nueva York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Instituto Valenciano de Arte Moderno, Fundación Juan March, Colección Banco de España, Colección Stuveysan, Museo Patio Herreriano, Centro Atlántico de Arte Moderno, SFMoMA, Fundación La Caixa y el Museo de Berkeley.