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CAMPING presenta ‘(Sin título) cuerpo sobre espacio’, de Isabela Rossi

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(Sin título) cuerpo sobre espacio es un site-specific de danza contemporánea creado e interpretado por Isabela Rossi. En este solo, la bailarina utiliza maneras no tan convencionales para estudiar, conocer y habitar el espacio presente con una única herramienta: su propio cuerpo.

Un cuerpo que crea nuevos espacios, que construye espacios. Un cuerpo transformando el espacio, un espacio que transforma un cuerpo. ¿Que me llevo y que dejo en un espacio? ¿El tiempo es el mismo en cada lugar; en cada experiencia; en el olvido; en la contemplacion? ¿El tiempo se puede medir?…

 

Isabela Rossi, coreógrafa y performer brasileña afincada en Madrid. Graduada en danza contemporánea en el RCPD Mariemma en 2016, ha trabajado con coreógrafas como, Aiala Etchegaray, David Vilarinyo, Lucía Marote, Poliana Lima, Candelaria Antelo y Natalia Fernandes, recibiendo el premio AISGE de bailarina sobresaliente en la pieza LINGUA. Como coreógrafa sigue trabajando en el solo (Sin título) cuerpo sobre espacio y (Sin título) cuerpo agrimensor, propuesta que fue seleccionada para participar en el proyecto “Solos en Pradillo” (2019), 33º Certamen Coreográfico de Madrid, Surge Madrid 2020 y en 2021 dentro de las actividades transversas iberoamericanas. Cocreadora al lado de Miguel Glez. fue PROCESO DE ACOMODACIÓN, finalista y premiada en el 34 Certamen Coreográfico de Madrid. Actualmente, sigue trabajando al lado de Miguel Glez. como coreógrafos invitados en la Compañía Residente del Centro Coreográfico de La Gomera, en la pieza Lo que percibes.

‘(Sin título) cuerpo sobre espacio’ es la sexta acción de CAMPING, una iniciativa que abre el espacio de la galería NF/ NIEVES FERNANDEZ a diversos actores culturales, con el fin de que puedan desarrollar y exhibir sus proyectos y creaciones libremente. Tomando como soporte de sus acciones el espacio expositivo, los diversos actores desplegarán sus proyectos temporales interactuando con la exposición instalada en ese momento en la galería.

CAMPING es un proyecto de Nerea e Idoia Fernández directoras de NF/NIEVES FERNANDEZ y de Blanca Cortés, abogada especializada en propiedad intelectual.

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(Sin título) cuerpo sobre espacio is a contemporary dance site-specific created and performed by Isabela Rossi. In this solo, the dancer uses not so conventional ways to study, know and inhabit the present space with a single tool: her own body.

A body that creates new spaces, that builds spaces. A body transforming space, a space that transforms a body. What do I take with me and what do I leave in a space? Is the time the same in each place; in each experience; in oblivion; in contemplation? Can time be measured?…

 

Isabela Rossi is a Brazilian choreographer and performer based in Madrid. Graduated in contemporary dance from RCPD Mariemma in 2016, she has worked as a dancer with different choreographers such as, Aiala Etchegaray, David Vilarinyo, Lucía Marote, Poliana Lima, Candelaria Antelo and Natalia Fernandes, receiving the AISGE award for outstanding dancer in the ‘LINGUA’ piece. As a choreographer, she continues to work on the solo ‘(Sin título) cuerpo sobre espacio’ and ‘(Sin título) cuerpo agrimensor’, a proposal that was selected to participate in the project ‘Solos en Pradillo’ (2019), the 33rd Choreographic Contest of Madrid, Madrid Surge 2020 and in 2021 within the Ibero-American cross-cutting activities. Co-creator alongside Miguel Glez. for ‘PROCESO DE ACOMODACIÓN’, finalist and awarded at the 34 Certamen Coreográfico de Madrid. Currently, she continues to work alongside Miguel Glez. as guest choreographers in the Resident Company of the Centro Coreográfico de La Gomera, in the piece ‘Lo que percibes’.

‘(Sin título) cuerpo sobre espacio’ is CAMPING‘s sixth action, an initiative that will open NF/ NIEVES FERNANDEZ’ gallery space to various cultural actors, so that they can freely develop and exhibit their projects and creations. Taking the exhibition space as a support for their actions, the various actors will display their temporary projects interacting with the exhibition installed at that time in the gallery.

CAMPING is a project conceived by Nerea and Idoia Fernández, directors of NF/ NIEVES FERNANDEZ and Blanca Cortés, lawyer specialized in intellectual property.

 

INTERLUDIO 4: TEMPLO-PLADUR. CLARA SÁNCHEZ SALA.

 

INAUGURACIÓN 20/OCT

_{The nude does not simply represent the body, but relates it, by analogy, to all structures}

_{that have become part of our imaginative experience}

_{[El desnudo no representa simplemente el cuerpo, sino que lo relaciona, por analogía, a todas}

_{las estructuras que se han convertido en parte de nuestra experiencia imaginativa]}

_{Kenneth Clark (1956)}

Templo-Pladur genera un paralelismo entre la idea de inmortalidad presente en los desnudos de los dioses griegos con la de los espacios expositivos en el sentido en que se diseñan lugares donde las piezas parecen ser presentadas para la eternidad.

Constante y ancestral ha sido la relación entre la arquitectura y el cuerpo humano.

En la antigua Atenas parecía reinar una armonía entre la carne y la piedra, no solamente la disposición de los templos y las ciudades obedecía a la manera en que los griegos concebían el cuerpo humano, sino que habían convertido el desnudo en objeto de admiración.

Las figuras humanas del friso del Partenón muestran la desnudez de cuerpos jóvenes perfectos de una manera ultraterrenal, aludiendo así a una realidad inmortal. Esta experiencia visual que dignifica y heroiza se asemeja al descrito por Brian O ´Doherty en su ensayo Inside the White Cube: The ideology of the gallery space en el que interpreta el espacio de las galerías modernas como un lugar construido con el objetivo de generar al espectador la sensación de estar fuera del tiempo, o más allá de él. Como si la obra perteneciese ya a la posteridad, o estuviese en un limbo.

El título del proyecto hace referencia al edificio sagrado, pero también menciona el material de construcción utilizado actualmente para el revestimiento de techos y paredes con la intención no solamente de generar un desajuste temporal, sino también de poner en contacto la idea de desnudar o vestir arquitectónicamente las paredes de la galería. El espacio expositivo desnudo es tan perfecto como el cuerpo de los dioses griegos, las obras dispuestas parecen tan eternas como la carne dura de las esculturas que visten y arropan la arquitectura del lugar.

Templo-Pladur pone en contacto la arquitectura de las galerías de arte y los desnudos de los dioses griegos, tan irreales e imposibles que parecen vestidos de carne pétrea, a través del acto de vestir el espacio con obras de arte.

Templo-Pladur es la cuarta edición de Interludios, un conjunto de exposiciones de corta duración en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, cuya propuesta es generar un espacio de visibilidad para proyectos pensados por los artistas, representados o no por la galería, y que hasta entonces no se han podido realizar.

Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987) es licenciada en Bellas Artes por la UCLM, Cuenca; Máster Photoespaña Teoría de la Fotografía y Proyectos Artísticos por la UEM, Madrid y Máster en Investigación en Arte y Creación por la UCM, Madrid. Ha participado en numerosas exposiciones tanto nacionales como internacionales entre las que destacan Fundación Juan March: Museo de Arte Abstracto, Cuenca; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Fundación Marso, Ciudad de México, México; Museu Nacional Soares Dos Reis, Oporto; Fundación Otazu, Pamplona; La Laboral, Gijón; EACC, Castellón y Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Su obra forma de colecciones como DKV, CA2M y Fundación Otazu entre otras.

 

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OPENING 20/OCT

_{The nude does not simply represent the body, but relates it, by analogy, to all structures}

_{that have become part of our imaginative experience}

_{Kenneth Clark (1956)}

Templo-Pladur generates a parallel between the idea of immortality present in the nudes of the Greek gods with that of the exhibition spaces in the sense that places are designed where the pieces seem to be presented for eternity.

Constant and ancestral has been the relation between architecture and the human body.

In ancient Athens, a harmony between flesh and stone seemed to reign, not only the arrangement of temples and cities obeyed the way in which the Greeks conceived the human body, but they had turned nudity into an object of admiration.

The human figures in the Parthenon’s frieze show the nakedness of perfect young bodies in an unearthly way, thus alluding to an immortal reality. This visual experience that dignifies and heroizes is similar to that described by Brian O’Doherty in his essay Inside the White Cube: The ideology of the gallery space in which he interprets the space of modern galleries as a place built with the aim of generating the viewer the feeling of being outside of time, or beyond it. As if the work already belonged to posterity, or was in limbo.

The title of the project refers to the sacred building, but also mentions the construction material currently used for the cladding of ceilings and walls with the intention not only of generating a temporary mismatch, but also of putting in contact the idea of architectural undressing or dressing the gallery walls. The naked exhibition space is as perfect as the body of the Greek gods, the arranged works seem as eternal as the hard flesh of the sculptures that dress and cover the architecture of the place.

Templo-Pladur brings together the architecture of the art galleries and the nudes of the Greek gods, so unreal and impossible that they seem dressed in stony flesh, through the act of dressing the space with works of art.

Templo-Pladur is the fourth edition of Interludios, a set of short-term exhibitions at NF/ NIEVES FERNÁNDEZ, whose proposal is to create a visibility space for projects thought by the artists, whether or not represented by the gallery, and which until then have not have been possible.

Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987) has a degree in Fine Arts from the UCLM, Cuenca; a Masters’ degree in Photoespaña Theory of Photography and Artistic Projects from the UEM, Madrid and a Masters in Research in Art and Creation from the UCM, Madrid. She has participated in numerous national and international exhibitions, among which at the Fundación Juan March: Museo de Arte Abstracto, Cuenca; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Fundación Marso, Mexico City, Mexico; Museu Nacional Soares Dos Reis, Porto; Fundación Otazu, Pamplona; La Laboral, Gijón; EACC, Castellón and Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Her works belongs to collections such as DKV, CA2M and Fundación Otazu, among others.

 

CAMPING presenta ‘serenity rave’, de Laura Ramírez

 

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‘serenity rave es un lugar, un latido, algo que no es visible pero que está presente. Sería algo así como una suspensión que permanece, que no se cristaliza y que en sí misma tiene la capacidad de mutar para así poder abrir las múltiples posibilidades que podemos encontrar en aquello que todavía no conocemos y que, quizás, nos de miedo. Un lugar donde el cuerpo es un territorio ambiguo que nos hace percibir el mundo pero no completamente y en el que la danza ejerce de médium. Una grieta en la que confluyen pasado, presente y futuro. Una manera de invocar bailando a todos estos tiempos juntos, convirtiéndonos en uno solo, que queda sostenido para siempre. serenity rave es la noche en la que aprendimos a hablar con el cuerpo, en la que nos abrumamos y algo amenazaba ruina; es la noche en la que descubrí que mi brazo era su pierna y la cabeza un fantasma, y yo, que permanecía ahí bailando, sigo bailando.’

Laura Ramírez

Laura Ramírez Ashbaugh es coreógrafa y bailarina. Entre sus intereses se encuentran pensar y explorar sobre todo lo que la rodea, la idea de paisaje, cuerpo ambiguo, los espacios intermedios y el feeling con el beat. Actualmente se encuentra trabajando en su próximo solo llamado serenity rave. Ha trabajado activamente con Ainhoa Hernandez, con la que creó en 2014 el colectivo Twins Experiment, ha colaborado en piezas de María Jerez, Cris Blanco, Lejos Lejos, Esther Rodriguez Barbero, Xavi Manubens o Quim Bigas y hace cuatro años se inició en el mundo del DJ como práctica que la sostiene y complementa, siendo un factor de gran relevancia en su forma de trabajar.

Su trabajo se articula principalmente entre Madrid, Barcelona y Francia. Entre otras actividades, imparte workshops, clases de movimiento, asiste como tutora de procesos a diferentes artistas y colectivos, genera espacios de estudio como MovLab en La Casa Encendida o el club de lectura EL CLUB en los Teatros del Canal, es creadora de un deporte consistente en desaparecer, compone música y textos junto a Andrea Zavala y trabaja en el departamento de educación del Museo Reina Sofía.

‘serenity rave’ es la quinta acción de CAMPING, una iniciativa que abre el espacio de la galería NF/ NIEVES FERNANDEZ a diversos actores culturales, con el fin de que puedan desarrollar y exhibir sus proyectos y creaciones libremente. Tomando como soporte de sus acciones el espacio expositivo, los diversos actores desplegarán sus proyectos temporales interactuando con la exposición instalada en ese momento en la galería.

CAMPING es un proyecto de Nerea e Idoia Fernández directoras de NF/NIEVES FERNANDEZ y de Blanca Cortés, abogada especializada en propiedad intelectual.

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‘serenity rave is a place, a heartbeat, something that is not visible but is present. It would be something like a suspension that remains, that does not crystallize and that in itself has the ability to mutate in order to open the multiple possibilities that we can find in what we do not yet know and that, perhaps, scares us. A place where the body is an ambiguous territory that makes us perceive the world but not completely and, in which, dance acts as a medium. A rift in which past, present and future converge. A way to invoke dancing all these times together, becoming one, which is sustained forever. serenity rave is the night in which we learned to speak with the body, in which we were overwhelmed and something threatened ruin; It is the night I discovered that my arm was his leg and my head was a ghost, and I, who was standing there dancing, I keep dancing.’

Laura Ramírez

Laura Ramírez Ashbaugh is a choreographer and dancer. Among her interests are to think and explore about everything that surrounds her, the idea of landscape, ambiguous body, the spaces in between and the feeling with the beat. She is currently working on her upcoming solo called serenity rave. She has actively worked with Ainhoa Hernandez, with whom she created the Twins Experiment collective in 2014, she has collaborated on pieces by María Jerez, Cris Blanco, Lejos Lejos, Esther Rodriguez Barbero, Xavi Manubens or Quim Bigas and four years ago she began her path also as a DJ within a practice of support and complement to her work and a factor of great relevance in it.

Her work is mainly articulated between Madrid, Barcelona and France. Among other activities, she teaches workshops, movement classes, assists as a process tutor to different artists and groups, generates study spaces such as MovLab in La Casa Encendida or the EL CLUB reading club in the Teatros del Canal, she is the creator of a sport consisting of disappearing, she composes music and texts with Andrea Zavala and works in the education department of the Reina Sofía Museum.

‘serenity rave’ is CAMPING‘s fifth action, an initiative that will open NF/ NIEVES FERNANDEZ’ gallery space to various cultural actors, so that they can freely develop and exhibit their projects and creations. Taking the exhibition space as a support for their actions, the various actors will display their temporary projects interacting with the exhibition installed at that time in the gallery.

CAMPING is a project conceived by Nerea and Idoia Fernández, directors of NF/ NIEVES FERNANDEZ and Blanca Cortés, lawyer specialized in intellectual property.

 

LAURA F. GIBELLINI: SEMINARIO EN BATH SPA UNIVERSITY

Laura F. Gibellini ha participado en el seminario ‘Work and Working Through’, organizado por el grupo de investigación Material/Performing de la Bath Spa University en Reino Unido, con una conferencia performativa.

Para ver la conferencia online, pincha aquí.

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Laura F. Gibellini participated in the ‘Work and Working Through’ seminar, organized by Material/Performing research group at Bath Spa University in the United Kingdom, with a performance lecture.

To see the conference online, click here.

CONVERSACIÓN EN ‘ENTRE EL ENCIMA Y EL DEBAJO’

La exposición ‘Entre el encima y el debajo’ organiza una conversación entre Patricia Martín, Sofía Mariscal y la artista Daniela Libertad, en torno su obra.

La conversación recibe asistentes en formato presencial con aforo reducido en la galería (Calle Blanca de Navarra, 12 – Madrid)

Para participar en la reunión virtual, acceda al siguiente enlace: Conversación en ‘Entre el encima y el debajo’, con Patricia Martín, Sofía Mariscal y la artista Daniela Libertad (ID Zoom: 867 8083 9277 | 11 sep 2021 a las 18.00h, GMT CET-Madrid).

Patricia Martín es comisaria, fundadora de Andamiaje y ex directora de La Colección Jumex, Fundación Casa Wabi y Fundación Alumnos 47.

Sofía Mariscal es la fundadora y directora de la Fundación MARSO en la Ciudad de México y de Arewá en Madrid.

Daniela Libertad es licenciada en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2002-2007), ha estudiado además en la Academia de Artes de Karlsruhe, Alemania (2006-2007) e hizo el master en Artes Visuales en NYU Steinhardt, Nueva York (2008-2010). Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Museo Arte Actual Ex-Teresa, en el Museo de la Ciudad de México y en la Casa Vecina, los tres en Ciudad de México, Akershus Kunstsenter en Oslo, Museum of Human Achievement en Austin, Kunstverein Wiesbaden en Alemania, VITA ROSEN en Gotemburgo y en el Cine Tonalá en Bogotá. La artista ha realizado además residencias en centros como Casa Nano en Tokyo, Museum of Human Achievement (MoHA) en Austin y Casa Wabi en Oaxaca.
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The exhibition ‘Entre el encima y el debajo’ will host a talk between Patricia Martin, Sofía Mariscal and the artist Daniela Libertad on her practice.

The talk welcomes attendees on-site with limited capacity at the gallery (Calle Blanca de Navarra, 12 – Madrid)

To participate in the virtual meeting, enter the following link: Conversación en ‘Entre el encima y el debajo’, con Patricia Martín, Sofía Mariscal y la artista Daniela Libertad (ID Zoom: 867 8083 9277 | 11 sep 2021 at 6 pm, GMT CET-Madrid).

Patricia Martín is a curator, founder of Andamiaje and former director of Jumex Collection, Fundación Casa Wabi and Fundación Alumnos 47.

Sofía Mariscal is the founder and director of Fundación MARSO in Mexico City and of Arewá in Madrid.

Daniela Libertad graduated in Plastic Arts by Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2002-2007), Daniela also studied at the Karlsruhe Arts Academy in Germany (2006-2007) and completed a MA in Visual Arts at NYU Steinhardt, New York (2008-2010). She has exhibited, solo and group shows, at the Museo Arte Actual Ex-Teresa, the Museo de la Ciudad de México and Casa Vecina, all three in Mexico City, Akershus Kunstsenter in Oslo, Museum of Human Achievement in Austin, Kunstverein Wiesbaden in Germany, VITA ROSEN in Gothenburg and in the Cine Tonalá in Bogota. The artist has also had residencies in centers such as Casa Nano in Tokyo, Museum of Human Achievement (MoHA) in Austin and Casa Wabi in Oaxaca.

 

DANIELA LIBERTAD. ENTRE EL ENCIMA Y EL DEBAJO.

INAUGURACIÓN 09 SEP 2021

CONVERSACIÓN 11 SEP 2021, con Patricia Martín y Sofía Mariscal, a partir de las 18.00h

 

Entre el encima y el debajo es la primera exposición individual de Daniela Libertad en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ. La muestra, conformada por dibujos en gran formato, video y esculturas, plantea diversas reflexiones que van desde cómo Libertad construye sus imágenes en el cruce entre el dibujo y el tejido hasta la posibilidad de encontrarse con un nuevo color.

El soporte papel y su materialidad ocupan un lugar de importancia para la conformación y comprensión de las piezas, una vez que la artista lo reconfigura múltiples veces, dibujado, tejido, desbordado, resistiendo o cediendo ante la relación con otros materiales como el hilo o el metal.

Por otro lado, el color también es un elemento fundamental presente en los trabajos de Daniela Libertad, que lo explora hasta un punto de materialización espacial. El color abunda y se mezcla, yuxtapone, cobrando unas características casi físicas, en un gesto que tensiona los límites de su comprensión plástica meramente plana, para darle cuerpo y materialidad en contornos, texturas, volúmenes. Los colores componen y dan forma al tejer, pero también cobran una especie de vida en un campo onírico, como es el caso de la obra audiovisual en la exposición, en la que un nuevo color existe como recuerdo y posibilidad y en la que la narración que hace la artista del encuentro con un nuevo color nos deja ver que el único lugar posible para su existencia es el espacio de la palabra.

Esta exposición se enmarca en el programa de APERTURA Madrid Gallery Weekend 2021. Horarios especiales de la galería: jueves (09/09) de 12 a 20h, viernes y sábado (10-11/09) de 11 a 20h y domingo (12/09) de 11 a 14h.

 

OPENING 09 SEP 2021

EXHIBITION TALKS 11 SEP 2021, with Patricia Martín and Sofía Mariscal, starting at 6 pm

Entre el encima y el debajo [Between the Above and the Below] is Daniela Libertad’s first solo exhibition at NF/ NIEVES FERNÁNDEZ. The exhibition, composed by large-format drawings, video and sculptures, raises various reflections that range from how Libertad constructs her images at the crossroads between drawing and fabric until the possibilities of discovering a new color.

The paper support and its materiality occupy a place of importance for the conformation and understanding of the pieces, once the artist reconfigures it multiple times, drawn, woven, overflowed, resisting or yielding to the relationship with other materials such as thread, yarn or metal.

On the other hand, color is also a fundamental element present in the works of Daniela Libertad, that she explores to a point of spatial materialization. Color abounds and mixes, juxtaposes, turning into an almost physical feature, in a gesture that stretches the limits of the merely flat plastic understanding of it, to provide it with body and materiality in contours, textures, volumes. Colors compose and shape weaving, but they also take on a kind of life in a dreamlike field, as is the case with the audiovisual work in the exhibition, in which a new color exists as a memory and possibility and in which the narration what the artist does of the encounter with a new color lets us see that the only possible place for its existence is the space of the word.

 

This exhibition is part of the program at APERTURA Madrid Gallery Weekend 2021. Gallery’s special hours: Thursday (09/sep) from noon to 8 pm, Friday and Saturday (10-11/sep) from 11 am to 8 pm and Sunday (12/sep) from 11 am to 2 pm.

Jordi Teixidor en conversación en el IVAM, Valencia

Jordi Teixidor ha participado en una conversación con los artistas Soledad Sevilla y José Mª Yturralde, al hilo de la exposición ‘En el límite de lo inalcanzable. Propósito de experimentación entre arte, ciencia y tecnología’, en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), en Valencia. 

Para ver la conversación completa, pinche aquí

 

Jordi Teixidor has participated in a conversation with the artists Soledad Sevilla and José Mª Yturralde, as for the exhibition ‘On the limit of the unreachable. Purpose of experimentation between art, science and technology’, at the Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), in Valencia.

To check the full talk, click here