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Chiharu Shiota
Japon, 1972
Héritière d’Ana Mendieta et de toute une génération d’artistes féministes du début des années 1970, Chiharu Shiota travaille avec son corps comme espace d’intervention, réalisant des performances qui abordent le lien à la terre, au passé et à la mémoire.
Connue pour ses installations réalisées avec la laine comme matériau principal, ses entrelacements produisent un mélange de répulsion et d’attraction onirique, tout en ravivant la mémoire, l’existence d’une forme philosophique et son absence.
La présence et l’absence du propre corps de l’artiste constituent le fil conducteur de son œuvre et deviennent ce par quoi elle fait comprendre sa confrontation avec la problématique de définir le travail artistique : l’objet artistique et le public, l’intérieur et l’extérieur. Dans sa philosophie de travail, l’œuvre d’art authentique ne se crée que lorsque les attentes liées à des formes d’expression artistique connues sont abandonnées au profit d’une perception des choses qui se fraie un chemin sans attribution de signification.
Elle a réalisé des expositions personnelles à la Hayward Gallery, Londres ; au Mori Art Museum, Tokyo ; au Grand Palais, Paris ; à la Maison Rouge ; au Louisiana Art Museum et au LACMA, Los Angeles, entre autres.
Son œuvre est présente dans les collections du Centre Pompidou, Paris ; du National Museum of Art, Tokyo ; du Museum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki ; de la Collection Hoffmann, Berlin ; et de la Fundació Sorigué, Lleida, entre autres.
Chiharu Shiota
Strange Home
2026
Cadre en métal, fil
180 x 80 x 54 cm
Chiharu Shiota
Connected to the Universe
2026
Fil sur toile
44.5 x 35 cm
Chiharu Shiota – Portfolio 2026
Autriche, 1929-2025
Son engagement dans la recherche de nouvelles approches picturales, accompagné de son travail performatif et d’une vaste documentation écrite, a consacré Arnulf Rainer comme l’un des artistes les plus influents de sa génération. En exaltant toujours le langage corporel implicite dans la peinture, l’artiste a souligné les premières formes d’expression humaine et, dans les années 1970, il a commencé à se photographier lui-même, créant un lien entre le théâtral et le graphique comme moyen d’expression.
Proche de l’Actionnisme viennois et explorant le geste à travers la performance, il a élargi sa pratique à la vidéo et a commencé à peindre avec les mains, une méthode qui l’a accompagné tout au long de sa trajectoire.
Principalement intéressé par l’automatisme et par le désir de subvertir la communication conventionnelle afin de retrouver la richesse de l’expression humaine, Rainer a fondé son expressivité sur l’occultation d’images d’autres artistes, ainsi que de ses propres autoportraits, atteignant l’abstraction et une disparition presque totale de la forme. En ce sens, son œuvre a constamment cherché à se libérer de ses propres limites, allant même jusqu’à dépasser, par la configuration même des toiles, les standards conventionnels.
En 1978, il a représenté l’Autriche à la Biennale de Venise et a reçu le Grand Prix d’État autrichien. À partir de 1981, il fut membre des Académies des Beaux-Arts de Berlin et de Vienne. La même année, il reçut le Prix Max Beckmann à Francfort. Il participa à Documenta Kassel en 1972, 1977 et 1982.
Parmi les musées qui lui ont consacré des rétrospectives figurent l’Albertina Museum, Vienne ; le Stedelijk Museum, Amsterdam ; le Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; l’Alte Nationalgalerie, Berlin ; la Kunsthalle Berne et le Kunstverein Hamburg.
Son œuvre est présente dans les collections du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ; du Guggenheim, New York ; de la TATE Gallery, Londres ; du Centre Pompidou, Paris ; du Ludwig Museum, Cologne ; du Metropolitan Museum, New York ; du CGAC, Saint-Jacques-de-Compostelle ; de l’IVAM, Valence ; et du Stedelijk Museum, Amsterdam.
Arnulf Rainer
Rosa Blüten
1996
Tempera sur carton sur bois
103,5 x 73,5 cm
Exposition: 2024 – Arnulf Rainer. Rot, Blau, Gelb. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer
Sans titre
1995
Tempera sur carton sur bois
105 x 76,5 cm
Exposition: 2024 – Arnulf Rainer. Rot, Blau, Gelb. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer
Blumenserie
ca. 2000
Technique mixte sur papier sur bois
44 x 31,5 cm
Exposition: 2024 – Arnulf Rainer. Rot, Blau, Gelb. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer
P26. (série ‘Face Farces’)
1970-75
Crayon sur photographie
24 x 18 cm
Exposition: 2020 – Arnulf Rainer. Visages. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer
P25. (série ‘Face Farces’)
1970-75
Crayon sur photographie
24 x 18 cm
Exposition: 2020 – Arnulf Rainer. Visages. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Arnulf Rainer – Portfolio 2026
Clara Sánchez Sala
Espagne, 1987
«Écrire, c’est tenter de savoir ce que nous écririons si nous écrivions.»
Marguerite Duras, Écrire, Gallimard, 1993
Comme un écho à la pratique artistique de Clara Sánchez Sala, cette citation de Marguerite Duras accompagne toute sa production à ce jour. Si, pour Duras, l’écriture est une intention, pour Sánchez, l’acte de créer est une tentative qui se déroule dans l’impossible rencontre du passé et du présent.
L’artiste se souvient et mesure constamment ses voyages favoris, le temps qui s’écoule entre les faits autobiographiques et l’histoire. À partir de cette poétique de l’intimité, elle ne se contente pas de recréer son histoire personnelle, mais joue également avec les décalages temporels afin d’éveiller un sentiment d’étrangeté face à son propre environnement.
Les œuvres de Clara sont des indices qui renvoient à l’effet heuristique de la distance. L’artiste place ainsi le spectateur dans la situation de l’archéologue, observant les pièces comme des énigmes qu’il ne peut identifier directement. Sánchez Sala utilise régulièrement ce processus de distanciation pour questionner ce qui est vu et ce qui est connu, soulignant ainsi l’idée d’impermanence et d’incomplétude.
Elle a participé à des expositions au Museo de Arte Abstracto de Cuenca, au Centro de Arte Dos de Mayo, à la Fundación MARSO, à la Fundación Otazu, à La Laboral, à l’EACC et au Centro Cultural Conde Duque.
Son œuvre fait partie de collections telles que le Centro de Arte Dos de Mayo, la Colección DKV, la Kells Collection et la Fundación Otazu, entre autres.
Clara Sánchez Sala
Tous les revêtements de la maison
2025
Photographie sur estrade en bois
100 x 200 x 4 cm
Exposition: 2025 – Clara Sánchez Sala. Del marfil al color hígado. NF/NIEVES FERNANDEZ.
Clara Sánchez Sala – Portfolio 2026
Gareth Nyandoro
Zimbabwe, 1982
Gareth Nyandoro est connu pour ses grandes œuvres sur papier, qui débordent souvent de leur format bidimensionnel pour devenir des installations incluant des découpages de papier et des objets trouvés dans les marchés de Harare, où il vit et travaille. La principale source d’inspiration de l’artiste est le paysage quotidien de la ville et de ses habitants, tant dans le contexte local que dans le panorama culturel plus large du Zimbabwe. Inspirée par sa formation en gravure et dérivée du processus de l’estampe, la technique distinctive de l’artiste, Kucheka cheka, tire son nom des déclinaisons à l’infinitif et au présent du verbe cheka en shona, qui signifie « couper ».
Il a exposé dans des institutions telles que le Palais de Tokyo, Paris ; le Quetzal Art Centre, Portugal ; la Rijksakademie, Amsterdam ; et Zeitz MOCAA, Le Cap, entre autres.
Son œuvre est présente dans des collections telles que le MoMA, New York ; Zeitz MOCAA ; la Fondation Sindika Dokolo, Luanda ; l’Instituto Inhotim, Brésil ; la Rachofsky Collection, Dallas ; SAM Art Projects, France ; et la National Gallery of Zimbabwe.
Gareth Nyandoro
Bhero vendor
2024
Encre sur papier sur bois
124 x 124 x 5 cm
Exposition: 2025 – Gareth Nyandoro. TOWNSHOP/TOWNSHIP. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Gareth Nyandoro
Baseball cap stall
2024
Encre sur papier sur bois
124 x 247 x 5 cm
Exposition: 2025 – Gareth Nyandoro. TOWNSHOP/TOWNSHIP. NF/NIEVES FERNANDEZ, Madrid.
Gareth Nyandoro – Portfolio 2026
Jordi Teixidor
Espagne, 1941
Considéré comme l’un des principaux représentants de l’abstraction espagnole, Jordi Teixidor s’identifie à la pensée critique et à la tradition moderne, transposant à sa peinture l’esprit du doute et de la critique. Il approfondit ainsi une abstraction et une peinture rationnelle, apollinienne, équilibrée et fortement contenue dans ses éléments expressifs.
La modernité de Jordi Teixidor est réflexive : son œuvre ne cherche pas la satisfaction, mais incite à la réflexion et rejette toute lecture narrative.
Plus qu’un tour de force sur les possibilités de l’abstraction dans le contexte actuel du développement des arts plastiques dans la société post-industrielle, son travail doit être compris comme une réflexion esthétique et intellectuelle sur les limites de la peinture. Il s’agit d’une quête vers la non-peinture, d’un désir irréalisable de créer le tableau définitif – ou, en d’autres termes, le non-tableau – mais aussi de l’expression personnelle d’un sentiment d’échec éthique et politique.
Par son usage du noir, Teixidor a formalisé une série d’images d’une grande intensité, constituant l’une des expressions les plus tragiques de la peinture espagnole contemporaine.
Il a participé à la Biennale de Venise et a exposé dans des institutions telles que le Guggenheim Museum de New York, l’Académie espagnole à Rome, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le UNAM Museo de Arte Contemporáneo de Mexico et l’IVAM, entre autres.
Son œuvre fait partie des collections du Guggenheim de New York, du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de l’Institut Valencien d’Art Moderne, de la Fondation Juan March, de la Collection Banque d’Espagne, de la Collection Stuveysan, du Museo Patio Herreriano, du Centro Atlántico de Arte Moderno, du SFMoMA, de la Fondation La Caixa et du Musée de Berkeley.
Jordi Teixidor
Sans titre 1470
2013
Huile sur toile
155 x 190 cm
Jordi Teixidor
Sans titre 1626
2025
Huile sur toile
120 x 120 cm
Jordi Teixidor
Sans titre 1602
2021
Huile sur toile
210 x 210 cm
Jordi Teixidor – Portfolio 2026
Moris
Mexique, 1978
L’œuvre de Moris tourne autour de thèmes liés à la représentation, à la volonté sociale et subjective, aux questions urbaines et aux cultures marginales, souvent considérées comme allant de soi dans les sociétés conventionnelles.
Informés par un travail de terrain constant, les sujets qu’il explore font partie de sa vie depuis l’enfance et sont essentiels à sa formation, tant personnelle que professionnelle.
La rue et l’espace social constituent son laboratoire de recherche, de collecte de données et d’indices, d’analyse des cultures visuelles et des esthétiques vernaculaires.
Il observe, intègre et apprend des divers codes sociaux des classes marginales de Mexico: leurs dialectes et leur sémiotique, leurs stratégies de survie et leur usage informel de l’esthétique dans leur environnement. Leur manière de rendre la routine quotidienne plus humaine et digne constitue la ligne directrice du travail de Moris.
Il a participé aux Biennales de São Paulo et de La Havane, ainsi qu’à des expositions collectives à la Fondation Jumex au Mexique, à la Fontanals Cisneros à Miami, à Artium à Vitoria et au Musac de León. Il a également réalisé des expositions individuelles au Musée d’Art Contemporain de Los Angeles, au Musée Carrillo Gil et à la Sala Siqueiros à Mexico, ainsi qu’à la Stadtgalerie Saarbrücken, en Allemagne.
Son œuvre fait partie des collections du MoMA à New York, du Pérez Art Museum à Miami, de la Fondation Jumex, de CIFO Fontanals Cisneros, d’Artium, du MOCA de Los Angeles, du Museo Amparo à Puebla, du Musée d’Art Moderne de Mexico, du Musée d’Art Contemporain de San Diego, de la Collection Isabel et Agustín Coppel à Mexico, de la Collection Celia Birbragher à Bogotá, de la Collection David Chipperfield à Londres et de la Collection Tiroche DeLeon en Israël, entre autres.
Moris
Un escupitajo a la muerte II
2025
Collage, émail et transfert sur toile
78 x 60 cm
Moris
Palimpsesto, panóptico, patíbulo 2
2025
Collage, encre, émail et transfert sur toile
200 x 160 cm
Moris
La sombra que vemos al mirar atrás. Naufragio II
2025
Collage, encre, émail et transfert sur toile
213 x 150 cm
Moris
Lo que la pobreza escupió 4
2025
Collage, encre, émail et transfert sur toile
220 x 180 cm
Moris
Lo que la pobreza escupió
2025
Collage, encre, émail et transfert sur toile
220 x 180 cm
Moris
¡Estampado! (de la serie ‘Amenazada’)
2023
Collage et ciment sur toile
38.5 x 29 cm
Moris
Saña (de la serie ‘Amenazada’)
2023
Collage et ciment sur toile
38.5 x 29 cm
Moris
¡Trágico! (de la serie ‘Amenazada’)
2023
Collage et ciment sur toile
38.5 x 29 cm
Moris
Mal Paso (de la serie ‘Amenazada’)
2023
Collage et ciment sur toile
38.5 x 29 cm
Moris
Salvaje (de la serie ‘Amenazada’)
2023
Collage et ciment sur toile
38.5 x 29 cm
Moris
Amenazada (de la serie ‘Amenazada’)
2023
Collage et ciment sur toile
38.5 x 29 cm
Rafael Grassi
Suisse, 1969
Dans ses œuvres, Rafael Grassi concilie un attachement à la matière picturale avec un goût pour l’illusion de la perspective et une figuration trompeuse. Les figures servent de point de départ, se décomposant progressivement, se libérant des significations préconçues et générant une surface picturale riche en paradoxes et en diversité chromatique.
Analogies formelles, paradoxes et contaminations linguistiques sont quelques-unes des notions évoquées dans sa peinture. Les images photographiques constituent le point de départ d’un processus de manipulation et de métamorphose successives, permettant de conserver la trace d’une image en décomposition, où les éléments autrefois narratifs s’émancipent sur la toile, reconquérant une autonomie libérée de toute signification.
Diplômé en Beaux-Arts de l’Université Complutense de Madrid, il expose depuis les années 1990 dans des galeries et centres d’art en France, en Suisse, en Espagne et en Italie. Il a réalisé des expositions individuelles dans des institutions telles que le Centre d’art de Dompierre, le Fonds d’art contemporain de Montluçon, le Collège d’Espagne à Paris, le Palazzo Mezzabarba à Pavie et le Centre culturel Valérie Larbaud à Vichy.
Ses œuvres font partie des collections de la Fundació Banc Sabadell, de la Fundació La Caixa, d’Olor Visual, du Ministère italien de la Culture, du FRAC Auvergne, de la Collection Passimessa Clermont-Ferrand, du Ministère des Affaires étrangères, de la Collection municipale d’art contemporain de Vitry-sur-Seine, de la Collection d’Art Contemporain du Canton de Zurich, de la Collection Peter Nobel, de la Collection PRISA et de la Collection Helga de Alvear.
Rafael Grassi
Forms of Life
2022
Huile sur toile
230 x 180 x 5 cm
Rafael Grassi
Flirt
2021
Huile sur toile
100 x 80 x 4 cm
Rafael Grassi – Portfolio 2026
Tamara Arroyo
Espagne, 1972
Dans l’ensemble de son œuvre, Tamara Arroyo insiste sur la notion d’habitabilité des espaces. Elle remet en question la « domestication » de l’habitant moderne et la consommation de certaines formes et objets présents dans les intérieurs des logements contemporains. La référence autobiographique dans son travail lui permet d’articuler un discours sur la mémoire individuelle et collective.
En s’appropriant l’image de certains lieux, Arroyo met en avant la ville et l’espace public comme des scènes privilégiées du quotidien, riches en identités et en potentiel créatif.
À travers différentes approches formelles, ses œuvres interrogent l’influence de l’environnement et de l’architecture sur notre perception, distinguant entre l’espace vécu, l’espace sensoriel et l’espace existentiel qui opère inconsciemment.
L’artiste met en avant différents états mentaux liés à notre relation avec notre environnement immédiat, comme le besoin émotionnel d’appartenance à un lieu ou l’importance de la vision périphérique qui nous intègre dans l’espace. Cette dernière nous permet d’apprécier des détails et des situations qui passent parfois inaperçus, transformant notre rôle de simples spectateurs en récepteurs de nouveaux stimuli.
Elle a exposé dans des institutions telles que le Museo Centro de Arte Dos de Mayo, La Casa Encendida, Matadero Madrid Centro de Creación Contemporánea, CentroCentro, Es Baluard Museu, la Real Academia de España à Rome et l’Instituto Valenciano de Arte Moderno, entre autres.
Son œuvre fait partie des collections du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, du Centro de Arte Dos de Mayo, du Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, ainsi que des collections DKV et Banco Sabadell.
Tamara Arroyo
Sans titre
2026
Fer et céramique
143 x 108 x 42 cm
Tamara Arroyo – Portfolio 2026
Pipo Hernández Rivero
Espagne, 1966
Les œuvres de Pipo Hernández Rivero soulèvent des interrogations sur toute forme de certitude culturelle. Construites à partir d’images et d’idées ancrées dans la culture moderne, ses œuvres évoluent dans un territoire de suspicion et d’opacité.
En soulignant la complexité des possibilités de la peinture au XXIe siècle, son travail propose une reconsidération du pictural à travers des structures formelles et conceptuelles sous lesquelles se cachent des références à l’échec des avant-gardes culturelles tout en mettant en évidence que souvent, la standardisation de certains discours génère l’exclusion de voix.
Mélangeant la peinture avec des matériaux variés et impliquant des textes dans des langues qui échappent à notre lecture, depuis un panorama occidental, ses pièces nous placent dans des environnements associés à des problématiques politiques, confrontant le spectateur à un dialogue non résolu et l’obligeant à repenser les notions d’identité et de valeur.
Il a exposé au Centro Atlántico de Arte Moderno, à la Fundación MARSO, au Museo de Arte de Pereira, au ARTIUM Museoa, au Centro de Arte La Recova, au Círculo de Bellas Artes de Tenerife, à la Fundación Otazu, au Museum of Fine Arts de Budapest, au Centre del Carme Cultura Contemporània, au Prague Art Museum et à la Contemporary Art Hall de Tenerife. Il a également participé à des biennales telles que la Biennale de La Havane, la Biennale des Îles Canaries et la Biennale de Dakar.
Ses œuvres font partie des collections du TEA Tenerife Espacio de las Artes, du Centro Atlántico de Arte Moderno, du ARTIUM Museoa, du Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, de la Fundación MARSO, de la Colección Galila Barzilaï, de la Kells Collection, d’Olor Visual et du MUDO Istanbul.
Pipo Hernández Rivero
“Algún día todo esto será tuyo- revisitado”
2024
Bois, plastique, huile et toile
248 x 205 x 6 cm
Pipo Hernández Rivero – Portfolio 2026